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Unsere Galerien - Kunstwerke, Musik und Geschichten

Kunst - Werk der Woche

  • So sieht die Kuenstlerin Johanna Wiens Europa als todkranke Patientin, die gerade operiert wird
    Europa als todkranke Patientin
    Rettet Europa - Künstlerin Johanna Wiens appelliert an Wähler

    Unser Ziel ist es, dass Europa einmal ein großes, gemeinsames Haus für die Europäer wird, ein Haus der Freiheit. Konrad Adenauer

    Brexit, Geflüchtete, zunehmender Nationalismus, die EU droht auseinanderzubrechen. Die Düsseldorfer Künstlerin Johanna Wiens, Schülerin von Jörg Immendorff und Meisterschülerin der Kunstakademie Düsseldorf, hat ein Kunstwerk geschaffen, mit dem sie ihre Sorge um die europäische Gemeinschaft ausdrückt. In ihrem Gemälde Aneurysma zeigt sie Europa als todkranke Patientin, die gerade operiert wird.

    Mit ihrem Bild will Johanna Wiens eindringlich dazu aufrufen, am kommenden Sonntag zur Europawahl zu gehen. Unser gemeinsames Europa steht für Werte wie Freiheit, Rechtstaatlichkeit und Solidarität. Die dürfen wir unter gar keinen Umständen aufs Spiel setzen, betont die gebürtige Polin.

    Angesichts des Machtzuwachses nationalistischer Parteien in vielen europäischen Ländern plädiert die Künstlerin für eine vernünftige Entscheidung in der Wahlkabine: Wir sollten nicht zulassen, dass sich Kräfte, die strikt gegen die EU sind, im Europaparlament durchsetzen. Das wäre so, wie wenn ich mich von Ärzten operieren lasse, denen es nicht um meine Gesundheit geht.

    Johanna Wiens, geb. 1976, studierte an der Kunstakademie Düsseldorf als Schülerin von Jörg Immendorff und Meisterschülerin von Gerhard Merz.

    Sie lebte nach dem Studium einige Jahre in China, Taiwan und Japan und beschäftigte sich mit den dortigen Geistes - und Kulturformen. Seit ihrer Rückkehr beschäftigt sie sich mit der geschichtlichen und europäischer Identität.

     

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  • Motive der Berliner Großstadt bei Nacht von Renata Tumarova
Verborgen hinter einem Schleier treten in ihren naechtlichen Szenen immer wieder einzelne Menschen oder Personengruppen hervor 
Renata Tumarova entfernt sich von den duesteren Motiven der Großstadt
Auf ihren Reisen zu den Orten ihrer Bilder faengt sie deren Charakteristiken ein
    Motive der Berliner Großstadt
    Werk der Woche: Renata Tumarova wendet sich in ihren Bildern spezifischen Stadtszenarien zu

    Bereits Ernst Ludwig Kirchner und dessen expressionistische Kreise entdeckten das Motiv der Berliner Großstadt als einen facettenreichen und faszinierenden Ausdruck menschlichen Lebens.

    Anders jedoch als bei den lebendigen und kraftvollen Gesamtdarstellungen der Expressionisten wendet sich Renata Tumarova in ihren Bildern spezifischen Stadtszenarien zu.

    Zunächst verborgen hinter einem Schleier aus großstädtischer Geschwindigkeit oder glänzenden Regenwänden treten in ihren nächtlichen Szenen immer wieder einzelne Menschen oder Personengruppen hervor.

    Während diese für einen Moment aus ihrem Alltag herausgerissen werden und wie im Zeitlupentempo verharren, fliegen die Lichter und Reflexe der Stadt an ihnen vorbei und erwecken den Eindruck tiefer Melancholie und Einsamkeit.

    Der Betrachter selbst findet sich dabei unweigerlich in den oftmals großformatigen Bildern der Künstlerin wieder, wenn er beispielsweise in "After midnight" einer jungen Frau mit rotem Mantel und gelbem Regenschirm gegenübersteht, ganz so, als wäre er Teil jener zeitlichen Verkürzung, welche die Grenzen zwischen Bild und Betrachter auflöst.

    Im Gegensatz dazu begibt sich die Künstlerin in Gemälden, wie "I thought I could join them" oder "Moll Gree - The arriving of the gambas" an die Küsten Venedigs und Spaniens. Sie entfernt sich von den düsteren Motiven der Großstadt und wendet sich statt dessen dem bunten und temperamentvollen Leben jener südlichen Regionen zu.

    Auf ihren Reisen zu den Orten ihrer Bilder fängt sie deren Charakteristiken ein. Atmosphärische Lichtwirkungen und natürliche Impressionen spielen dabei ebenso eine Rolle, wie das Leben der Menschen und deren offene Mentalität.

    Fast schon virtuos vermag es die Künstlerin dabei mit den Ölfarben umzugehen und die Zustände verschiedener Stofflichkeiten, wie die schimmernde Transparenz des Regens, die spiegelnden Reflexe einer Wasserpfütze oder die Leuchtkraft von Scheinwerfern und Laternen, wiederzugeben.

    Durch eine bewusst gewählte Ausschnitthaftigkeit, die an die Anfänge der amerikanischen street photography erinnert, lenkt Renata Tumarova den Blick immer wieder auf bestimmte Situationen.

    Gleichzeitig implizieren jene Ausschnitte, dass der Betrachter stets nur den kleinen Teil eines großen Ganzen vor Augen geführt bekommt und, dass das Weiterdenken über die Grenzen des Bildträgers hinaus durchaus erwünscht ist.

    Ein gedanktlicher Spielraum ist es schließlich auch, welcher die Konturen der Motive verschwimmen lässt und einzelne Personen, wie das junge Mädchen in "Wieder am See" in einen dunklen Schatten verwandelt, der lediglich das platonische Abbild einer verborgenen Realität darstellt.

    Renata Tumarovas Bilder unterliegen dabei einem stets unvollendeten Charakter, welcher die nicht immer ganz eindeutigen Orte zu fragmentarischen Ausschnitten der menschlichen Existenz erweitert.

    Die Redaktion GFDK vergibt 5 Sterne für die Künstlerin. (Kaufen)

    Preise von 750 bis 7000 Euro.

     

    galerie gerken                         

    auguststraße 49

    10119 berlin

    tel.: + 49 30 978 940 66            

    www.galerie-gerken.de          

     

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  • Das Hell-Dunkel ist ein Spiel zwischen dem Gegensatz von Tag und Nacht Des Teufels Kirmes
Fuchsbau von Dorothea Schuele
Devils Garden von Dorothea Schuele
The Chairmann von Dorothea Schuele
Illuminati von Dorothea Schuele
Dorothea Schuele im Atelier
Lestate von Dorothea Schuele
    ein Spiegel für die Seiten des Lebens
    Werk der Woche von Kaiserswerther Kunstpreisträgerin Dorothea Schüle: Devils Garden

    Die Welt meiner Bilder sind Innen- und Aussenräume bei Tag und auch bei Nacht. Sie sind Wiedergabe meines alltäglichen Lebens und meiner erlebten Umwelt. Vordergründig scheinen sie eine heile, bürgerliche und vergnügliche, betriebsam, fleißig aufstrebende, menschliche Umwelt darzustellen, aber bei genauer Betrachtung werden alltägliche Gegenstände zu Metaphern der realistischen, oft aggressiven "Lebenswelt".

    Die Räume sind angefüllt mit den nützlichen, aber unscheinbaren Gegenständen des täglichen Gebrauchs, die für uns oft nur zweckdienlich sind und uns daher nicht beachtenswert, eher unschön erscheinen.

    Aber gerade die Hervorhebung dieser unscheinbaren Gegenstände mit ihrer diffizilen Vielfältigkeit, den Ecken und Kanten im Spiel mit Licht, Schatten und Farbe erlangen so einen starken Reiz.

    Sie sind auf einmal ein fester Punkt im Bild, nicht wegzudenken aus der kompositionellen Gesamtheit des Bildes. Ein dichtes Farbgewebe, aus akzentuierten Punkten zu gedämpften, feinen Nuancen und Flächen.

    Es sind Dinge, die durch Skizzen schnell festgehalten wurden. Auf der Leinwand ist es dann nicht nur ein Prozess des Übertragens der flüchtigen Momente, sondern diese flüchtigen Momente werden bewusst zu einer neuen Komposition verändert.

    Dinge erhalten so neue gegenseitige Beziehungen und somit eine neue Inhaltlichkeit, die in den nachträglich gegebenen, oft ironischen, Titeln wie z. B. „Love to Love“ angedeutet werden.

    Das Hell-Dunkel ist ein Spiel zwischen dem Gegensatz Tag/Nacht. Ist es noch Nacht? Ist es schon Tag? Ist es ein künstliches oder ein natürliches Licht? Das Prinzip der Gegensätzlichkeit der Welt und deren Beziehungen und Probleme miteinander werden so zu einem zentralen Bildthema.

    Für uns eher markante Dinge wie z.B. ein Stuhl oder ein Tisch treten in ihrer Prägnanz zu Gunsten gewisser "Undinge", wie z.B. Lichtflecken zurück. Ein Dialog zwischen den einzelnen Gegenständen entsteht. Manche befreien sich von Ihrer ursprünglichen Funktion und werden so zu Protagonisten für deren Benutzer.

    Verstärkt wird diese „neue“ Funktion durch die Komposition. Oft diagonale Bildkompositionen erzeugen eine starke Dynamik, einhergehend mit einer nun herrschenden starken Lebendigkeit der ehemaligen "nature morte".

    Die Dynamik erhält eine zusätzliche Beschleunigung durch die oft extremen Vogel- als auch Froschperspektiven. Die Starre, die diese gewählten Gegenstände hervorrufen können, wird aufgehoben und kann bis zu einer angreifenden Aggressivität gesteigert werden.

    Die subjektive Beobachtung der Gegenstände im Spiel des Lichtes ermöglicht eine freie malerische Umsetzung, die eine Metarmophose der Objekte zu neuen Eigenformen zuläßt. Bei diesem Wechsel werden innerhalb eines minimalen Zeitraumes die räumlichen Betonungen und die Farbnuancen neu verteilt.

    Statik wird zu Bewegung und die Objekthaftigkeit eines Gegenstandes wechselt zu einer starken Subjektivität. Somit ist auch der Wechsel von der mathematisch, objektiven Perspektive zu einer im Bild wechselnden, teilweise aufgelösten, subjektiven Perspektive möglich.

    So entstand das Bild 'Devil's Garden' nach einer Skizze, die im bekannten Biergarten 'Schleusenkrug' am Landwehrkanal im Tiergarten entstanden ist. Städtisch und doch im Grünen. Das nächtliche Ambiente ist ein Mischung aus erster Nachkühle und auch Dampf von der vergangenen Hitze des Tages. Eine Vorahnung, was in den nächsten Tagen passieren könnte. 

    In den Bildern entstehen Beziehungen, Rückantworten, Abtrennungen als auch Brüche. Sie sind ein Spiegel für die frohen, leichten, beschwingten ebenso wie für die düsteren, beängstigenden, verzweifelten und verlorenen Seiten des Lebens.

    BIOGRAPHIE:

    Dorothea Schüle lebt und arbeitet in Düsseldorf und Berlin.

    Dorothea Schüle, 1970 geboren in Pforzheim, 1990 Studium an der Freien Kunstschule Stuttgart, 1991 Beginn des Studiums an der Kunstakademie Münster und an der Westfälischen Wilhelms Universität, 1999 1. Staatsexamen für Bildende Kunst und Geographie, Akademiebrief.

    PREISE UND AUSZEICHNUNGEN:

    1993 1. Platz des Xaver-Fuhr-Preises

    1995 Ernennung zur Meisterschülerin von Prof. Hermann Josef  Kuhna,  Akademiestipendium Rom

    2002 Stipendium des Glückstadt Destination Managment

    2003 Gaststipendium in der Villa Romana, Florenz

    2007 Kaiserswerther Kunstpreis, Gesellschaft Freunde der Künste - GFDK

    2015 Burg Kniphausen, „West sieht Nord“, Plein Air an der Küste

     

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Kunst - Künstler vorgestellt

  • Lykke Li Zachrisson
Lykke Li Zachrisson
Lykke Li Zachrisson
    beeinflusst von der Surf Music der 60er Jahre
    Vorgestellt: Die schwedische Künstlerin Lykke Li Zachrisson prägt selbstbewußt die internationale Musikszene

    Lykke Li Zachrisson kam 1986 als mittleres Kind einer Fotografin-Mutter und eines Musiker-Vaters zur Welt. Dass ihre Mutter sie stehend und ohne Narkotika gebar, war ein Ausdruck des revolutionären Krankenhaus-Credos „being born on a woman’s terms“ und vermutlich LYKKE LIs erste Konfrontation mit der Frauenwelt, die auch ihr Ringen mit der Frage der Zugehörigkeit begründen sollte.

    Die Zachrissons waren eine Familie, die niemals still stand, von Schweden nach Neuseeland und schließlich nach Portugal zog, wo sie sich in einem Bergdorf niederließen, um der Nachstrahlung des Tschernobyl-Desasters zu entkommen.

    Als folgsames Rebellenkind, das seine ersten Schritte barfuß auf scharfen Kieseln zu Pfauenlauten und Donner machte, die Winter in Indien, Nepal und Marokko verbrachte und in elf verschiedenen Einrichtungen zur Schule ging, wandte sich Lykke schnell dem Kritzeln von Gedichten und dem Tanzen zu – nicht aus Interesse sondern als Notwendigkeit.

    Als die Familie schließlich einige Jahre später nach Schweden zurückzog, hatte sich das Umherwandern bereits auf die Natur der inzwischen Neunjährigen ausgewirkt, deren Innerstes rastlos und frühreif war.
     
    Mit 19 war Tanzen kein adäquates Outlet mehr für LYKKE LIs immer lauter werdende Seele, und so wurde der Gesang zum Heilmittel für ihre jugendlichen Leiden und die Beschränkungen von Stockholms Vorstadt. Schließlich verlagerte sie ihren Lebensmittelpunkt nach New York, zog in Bushwick ihr Ding durch, schaltete und waltete, uptown und zurück.

    Als sie eines Morgens in ihrer rattenverseuchten Kammer einer Wohnung aufwachte, nachdem sie am Abend zuvor bei einer Open-Mic-Nacht von der Bühne gebuht worden war, wurde ihr schlagartig klar: Schlimmer kann es nicht werden, ab jetzt kann es nur noch bergauf gehen – und sie wusste, dass die Kunst, in welcher Form auch immer, für immer ihr Leben sein würde.
     
    Badabing Badaboom.
     
    Zurück in Stockholm, pleite und allein, aber zu allem bereit, lag Lykke dem Produzenten Björn Yttling (von Peter, Bjorn & John) in den Ohren und fand in ihm den passenden Deckel für ihren Topf, da er sie in die Welt des professionellen Schreibens und Aufnehmens von Musik einführte.
     
    2007 nahmen die beiden 14 Songs auf, aus denen LYKKE LIs gefeiertes Debütalbum Youth Novels werden sollte – ein Werk, das die 21-Jährige schnell berühmt machte und sie auf ein atemberaubendes Rennen durch die Welt klaustrophobischer Backstage-Räume, greller Lichter, verruchter Partys, wuseliger Flughäfen, mieser Typen, hübscher Fremder, faltiger Mode und Stripper-Stiefeln, wertiger Lumpen und Balisons in überstrapazierten Koffern führte. Und zum Herzschmerz...


    Gott segne den Herzschmerz, werden wohl alle mit einstimmen, schließlich war dieser für den unvergesslichen Song „Possibility“ verantwortlich, der von einer ziemlich kaputten Einstellung gegenüber der Liebe zeugt, für den Film „Twilight – New Moon“ geschrieben wurde und Millionen junger Vampirseelen aus dem Herzen sprach, die sich danach sehnten, nicht dazuzugehören. Und zu lieben.
     
    „Mein letzter Tango mit der Liebe endete ziemlich übel, aber man kann sagen, dass ich mein eigenes Herz gebrochen habe. Liebe war nur mein Instrument und der Herzschmerz mein Geist – etwas, an das ich mich klammern konnte, als alles um mich herum zusammenbrach...“
     
    Nach zwei verrückten Jahren, in denen praktisch jeder Ort, jede Person und jedes Vergnügen auf dieser Erde nach ihrer Aufmerksamkeit lechzte – außer der Liebe natürlich –, sehnte sich LYKKE LI verzweifelt nach einem Ort, an dem sie sich ausruhen konnte anstatt auf einer Bühne zu tanzen. Da es keinen Ort gab, den sie ihr Zuhause nennen konnte, beschloss sie einmal mehr, nach New York zu gehen – um ein bisschen zu leben!
     
    „Zwei Monate verbrachte ich dort und hatte eine gute Zeit. Doch ich war ausgemergelt, New York war für mich zu dem Zeitpunkt der falsche Ort. Und als ich den Stecker gezogen hatte, als ich allein war und die Flut von Angeboten und Einladungen langsam verebbte, musste ich mich damit auseinandersetzen, wer ich war.

    Auch wenn sich meine Lebensumstände drastisch geändert hatten und mir alles offen stand, was ich mir je erträumt hatte, hatte ich immer noch die gleichen Gefühle wie vorher: die gleiche Existenzangst, die gleiche Rastlosigkeit. Ich hatte mich nicht verändert und wartete noch immer. Ich musste etwas unternehmen. Ich musste wachsen.“
     
    Also floh LYKKE LI in den Westen, in die kalifornische Wüste, spielte in einem schrägen und dunklen Moses-Berkson-Film namens „Solarium“ mit und begrub einen Teil ihres verletzten Herzens im brühend heißen Wüstensand. Den Rest nahm sie mit in ein Haus auf einem Hügel im Osten von Los Angeles, wo sie sich ein Fahrrad und eine Autoharp kaufte, ein wenig prachtvolles Klavier lieh, ein paar Blumen in ihrem Zimmer verteilte und sich hinsetzte um nachzudenken.
     
    Zur Ruhe gekommen, ein bisschen einsam und mit der Gainsbourg’schen Angst konfrontiert, dass dich der Geist einer Liebe, die nie wirklich gelebt hat, für immer verfolgen wird, immer in dir hausen wird, ungeboren und untot, suchte sie Trost in der Musik.
     
    Schon bald erzitterte die Bergkuppe des Echo Parks unter der Musik jener Gemüter, die an einem ähnlich kontemplativen, gebildeten und schmerzvollen Ort waren wie sie: Leonard Cohen, Neil Young und Dr. John gemischt mit Velvet Underground und This Mortal Coil, alles unter dem omnipräsenten Bann von Alan Lomax Feldstudien, Whiskey und Darjeeling.
     
    Doch wie jeder, der sich in den Untiefen von Sehnsucht und Verlust befindet, war LYKKE LI darauf bedacht, sich wieder zu berappeln und in sich selbst die Essenz ihrer Musik wiederzuentdecken. Sie dürstete nach der rauen Kraft der Schlichtheit, nach einer Form aufrichtiger Wahrheit.


    Sie kam zu dem Entschluss, dass es – unabhängig von Furcht, Verlust und Sehnsucht – nicht um die Perle in der Auster geht sondern um das Sandkorn, aus dem die Perle entsteht. Um die Kohle selbst, nicht den Diamanten, der aus ihr entstehen kann. Um das Jetzt, das sich unausweichlich ins Dann verwandelt, und das Wenn, aus dem vielleicht nie ein Jetzt wird.
     
    Und dann fing sie an zu schreiben.
     
    „Ich wollte zurück zu den Anfängen, als Songs noch etwas bedeuteten. Ich wollte Minimalismus, nur Texte und Melodien. Wie alle großartigen Songs sollten auch meine nur mit Handschlägen und Gesang gespielt werden können.“
     
    Sie bündelte den Niedergang des Shangri-La-Leitwolfs mit „Women Under The Influence“, „Ladies And Gentlemen Of The Canyon“, einer Kung-fu-Marianne-Faithful und einer bewaffneten Nancy Sinatra im Kaktusrausch und machte Musik.

    Aus ihrem Kopf kamen Voodoo-Trommeln, ein paar schmerzende Akkorde, peitschend und heilig, erschütternd und hoppelnd zugleich, und eine Stimme, die sich urplötzlich vom Sehnsuchtsvollen zum Fordernden gewandelt hatte, vom Fragilen zum Rauen.
     
    „Wenn ich singe... dann geht es immer um meine intimsten Emotionen, über die ich mit niemandem sprechen würde. Aber es ist meine Bühne, mein Raum, an dem ich alles ausdrücken kann, was ich will. So oder so – ich setze die Grenzen, ich mache die Regeln. Ihr müsst draußen bleiben.“
     
    „These scars of mine make wounded rhymes tonight“, singt sie und setzt damit den Titel ihres zweiten Albums in einen Kontext. Ein Zweitwerk, das das Recht einfordert, nicht dazuzugehören, wohlwissend, dass es dies dennoch tut. Von einer Künstlerin, die zu gleichen Teilen aus Diesseits und Jenseits, Liebe und Zerstörung, Kampf und Glauben besteht.
     
    „Das könnte es tatsächlich sein, mein letztes Hurrah. Dieses Album musste perfekt sein, es muss für Dekaden vorhalten. Für alle Fälle.“ 
     

    Mit den Worten einer Mutter, die einst aufstand, um eine Künstlerin zu gebären:
     
    „Tanz’ solange du noch kannst“, singt LYKKE LI.
    „Tanz’, weil du musst.“

     

     

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  • Verwirrspiel von realen, kopierten und inszenierten Wirklichkeiten
Catrine Val imitiert stellvertretend 11 Miss-World-Anwaerterinnen
    Als glamouröse Camouflage getarnt
    TREAP - Catrine Val entwickelt eine Interdependenz zwischen realen, kopierten und inszenierten Wirklichkeiten

    Mit der Erweiterung unserer zwischen-menschlichen Kommunikation durch die verschiedenen Dienste des Internets wächst die Bedeutung virtueller sozialer Netzwerke.

    Metaphysischen Mysterien

    All diese metaphysischen Mysterien werden durch die unmittelbare Verdopplung der Welt – das Mitlaufen des perfekten Doubles der Realität in Echtzeit – in Facebook, MySpace oder YouTube neu definiert.


    Den Ausgangspunkt für das Motiv von TREAP bilden die auf YouTube geposteten Videobotschaften der Miss World Wahl 2008. Catrine Val imitiert stellvertretend 11 Miss-World-Anwärterinnen aus unterschiedlichsten Nationen in einer Collage.

    Die medialen Fiktionen

    Da die medialen Fiktionen rund um die Schönheitsköniginnen einer „Miss Rushia“, „Miss Ethiopia“ oder „Miss Turkey“ im gleichen Maße um die Verführungskunst oberflächlicher Scheinwelten kreisen wie in der Mode, zitiert TREAP exemplarisch die viel beachtete Anzeigenkampagne der Herbst-/Winterkollektion 2006 der deutschen Modefirma Escada.

    Zenit eines längst vergangenen expressiven Luxus

    Mit vielen echten Fellen und grellen Farben steht diese Kampagne aus heutiger Sicht – in Zeiten der Rezession – für den Zenit eines längst vergangenen expressiven Luxus. Das Styling in TREAP orientiert sich an der von den 11 Schönheitsköniginnen während ihrer Interviews auf YouTube getragenen, privaten Kleidung.

    Man erkennt ansatzweise unterschiedliche, landestypische Modevorlieben und Auffassungen. Dicht gedrängt werden in TREAP 11 Nationen gleichberechtigt nebeneinander gestellt.

    Als glamouröse Camouflage getarnt

    Die Nachahmung birgt ein unheimliches wie auch sinnliches Potenzial. Am Ende hinterfragt TREAP als glamouröse Camouflage getarnt, das alltägliche Verwirrspiel von realen, kopierten und inszenierten Wirklichkeiten.

    Der Titel der Fotoarbeit „TREAP“ zitiert einen Begriff aus der Informatik:
    Dort bezeichnet dieser einen binären Suchbaum mit einem genau
    definierten Procedere für die Datenstruktur.

    Miss India
    Miss Czechoslovakia
    Miss Italy
    Miss Korea
    Miss Sweden
    Miss Russia
    Miss France
    Miss Ethiopia
    Miss Denmark
    Miss Great Britain
    Miss Turkey

    TREAP
    2009
    300 x 90 cm

    Foto: Jan Friese
    Hair & Make-up: Rebecca Keim
    Stylist: Ekachai Eksaroj
    Postproduktion: Jens Greber

    Statement:

    Catrine Val


    „Meine künstlerische Position entwickelt sich aus einer bedingungslosen Neugierde am Diskurs im Umgang mit Kommunikationsmedien und den damit einhergehenden Hinterfragung einer medienkulturellen Identität, die sich ihrer sozialen, politischen, ästhetischen und ethischen Eingebundenheiten bewusst ist.“ 

    Der Schwerpunkt meiner Arbeiten liegt in der Videokunst, wie in der konzeptuellen inszenierten Fotoarbeit. Thematisch stellen sie sensible, gesellschaftliche Beobachtungen an, die oft zum Environment inszeniert, das Verhältnis der Betrachter zum Videobild, untereinander gestalten.

    Im Vordergrund trat in den letzten Arbeiten wie  „Ich bin ein Anderes“ oder der hybriden Installation von „YouPrompt“ die produktive Gestaltung des Spannungsfeldes von virtuellen und realen Beiträgen im Experiment.

    Im Kern bezogen sich die Installationen auf das ständig wachsende und auf YouTube abgelegte Videomaterial, in seiner ambivalenten und zuweilen belanglos erscheinenden Vieldeutigkeit. Aus den vorangegangenen Ansätzen und der bisherigen Arbeit entwickele ich  gerade das Konzept SHEPARL.

    Gegenstand  der Hinterfragung wird auch hier die gesellschaftliche Funktion von Medien und deren kulturelle Bedeutung. Das Projekt SHEPARL überträgt die neuen partizipatorischen Kulturen, die sich im Internet entwickelt haben, auf politische Prozesse und untersucht, welche Rolle moderne Kommunikationsmedien im politischen Diskurs der Zukunft spielen können.

    Kann man eine Verwirklichung der medienkulturellen Identität, die sich ihrer sozialen, politischen, ästhetischen und ethischen Eingebundenheiten bewusst ist, alleine nur durch das Nachahmen erzeugen?

    Doch mein Hauptfokus liegt gerade  bei der Fortsetzung der inszenierten Modefotographie unter dem Titel„ WAYS OF ESCAPE“ mit aus Modekampagnen bekannten Haltungen und Posen in der Vervielfältigung einer einzigen Person.

    Werdegang
    seid 2004
    Künstlerisch-Wissenschaftlicher Mitarbeiter, Klasse Bjørn Melhus, Kunsthochschule Kassel

    2001 - 2004

    Postgraduiertes Studium bei Valie Export, Marcel Odenbach und Horst Königstein Kunsthochschule für Medien, Köln,

    1994 – 2001

    Studium der Freien Kunst, Klasse Urs Lüthi, Kunsthochschule Kassel

    1991-1993

    Arbeit in der Webeagentur Dr. Puttner & BSB; Wien

    1988 - 91

    Höhere Berufsfachschule für Graphik & Design, 

    Ausstellungen

    2010
    HUMAN  RIGHTS, Fondazione Opera dei Caduti

    Rovereto, Italy

    startUP, Sala Birolli, Verona, Italy
    BIG BANG, Einzelausstellung, Politics of the body

    Galerie König, Berlin
    2009

    26. Kasseler Dokumentarfilmfestival Monotoring, Kassel

    Images Recalled,3. Foto-Festival, Kunsthalle Mannheim

    Gemeinsam in die Zukunft Frankfurter Kunstverein

    Ich bin ein Anderes Stiftung Starke, Einzelausstellung, Berlin

    2008

    Monkey Up Plug In, Einzelausstellung, Basel Schweiz

    2007

    WATERCOLOURS, Galerie König, Hanauport

    2006

    Fremd bin ich eingezogen Kunsthalle Fridericianum, Kassel

    Coolhunter, Kunsthalle Budapest, Ungarn

    Blosses Außen U-Bahngalerie, München

    2005

    Coolhunter, ZKM, Karlsruhe

    Altitude KHM, Köln

    Coolhunter, Kunsthaus Wien

    2004

    Transmitter, European Media Art Festival, Osnabrück

    2002

    Feminale, Köln

    Unplugged, Ars Electronica, Linz, Österreich

    2001

    Monitoring, DokFest, Kassel

    2000

    Das erste Mal Marburger Kunstverein

    1998

    Rundgang 2

    Museum Fridericianum, Kassel

    Zur Künstlerin: Catrine Val, geboren 1970 in Köln, studierte Kunst bei Urs Lüthi, Valie Export, Marcel Odenbach und Horst Königstein und arbeitete an der Kunsthochschule Kassel. Ihre Video- und Fotoarbeiten waren Bestandteil diverser Ausstellungen und Festivals. (Quelle: Kehrer Verlag)
    Mit "FEMINIST" war sie bereits in der Ausstellung "Gaze upon my graze" des "Art Museum at The Art Park" in Hsinchu/Taiwan und auf dem "International Portfolio Reviews/Photo Ireland Festival" vertreten. Im Juni 2012 wurde ihr Bildband "FEMINIST" für den Renaissance Photography Prize London nominiert.
     

     

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  • Gesungen hat Jessica Pilnaes schon immer, ist sie doch familiaer vorbelastet
Ihr Vater war Keyboarder in Schwedens beliebtester Pop-Band, den Sven-Ingvars
Mit 20 wurde Jessica Pilnaes Mitglied der international erfolgreichen R & B-Band Robyn
Es folgten Tourneen durch Schweden und Deutschland
Als approbierte Medizinerin hat Jessica Pilnaes einen Plan B fuer den Fall der Faelle
    ungewöhnlicher lebensweg
    Vorgestellt: Jessica Pilnäs - eigentlich wollte sie Ärztin werden, heute macht sie erfolgreich Jazz

    Soulig ist ihre Stimme, leuchtend, warm, und doch zurückhaltend und zu feinsten Nuancen fähig - so präsentiert sich die Schwedin Jessica Pilnäs auf „Bitter And Sweet“. Unwillkürlich mag man an den scheinbar unerschöpflichen Fundus skandinavischer Sängerinnen denken.

    Doch so einfach ist die Sache diesmal nicht. Auch in Schweden ist mancher Karriereweg verschlungen - wie der von Jessica Pilnäs:

    Gesungen hat die 31-Jährige schon immer, ist sie doch familiär vorbelastet: Ihr Vater war Keyboarder in Schwedens beliebtester Pop-Band, den „Sven-Ingvars“. So kam sie schon mit 16 Jahren 1995 in die Vorauswahl des Eurovision Song Contest, gleichzeitig eine der beliebtesten Fernsehshows des Landes. Sie wurde Dritte und bekam sofort einen Plattenvertrag angeboten.

    Doch Jessica schwebte etwas anderes vor als eine Karriere als Pop-Sternchen: „Ich war so jung und gerade erst auf die höhere Schule gekommen und wollte diese ordentlich erledigen.“ Statt den Vertrag zu unterschreiben, setzte sie also auf Ausbildung und ging nach dem Gymnasium schließlich auf die renommierte „Fridhem“-Jazzschule, der etliche der heutigen schwedischen Jazzgrößen entstammen.

    Mit 20, nunmehr solide ausgebildet, wurde Pilnäs Mitglied der international erfolgreichen R & B-Band „Robyn“. Wieder wurden Pop-Produzenten auf sie aufmerksam, diesmal konnte sie der Versuchung nicht widerstehen. Unter dem Pseudonym „Isa“ - „es gab damals gerade zu viele Jessicas“, erklärt sie die Namensgebung durch ihr Label Sony - spielte sie das Album „Pretender“ ein.

    Das verkaufte sich zwar vor allem in Japan blendend, doch Pilnäs merkte schnell, dass sie, fremdbestimmt, Promotion gesteuert und Playback singend, weit entfernt von dem war, was sie eigentlich machen wollte: „Das war nicht ich. Ich fühlte mich nicht wohl, wie die anderen Popsängerinnen in Musikvideos herumtanzen.

    Ich war so enttäuscht von der Musikindustrie und all des Drucks müde, der den Spaß tötete.“ Kurzentschlossen zog sie sich aus dem Musikgeschäft zurück und setzte Plan B in Kraft: ein abgeschlossenes Medizinstudium an der renommiertesten Universität Schwedens, der Nobelpreis-Institution „Karolinska Institutet“.

    Vielleicht wäre Jessica Pilnäs heute allein dem Arztberuf verfallen, wenn es nicht zwei Musiker gegeben hätte, die ihren Rückzug für einen schweren Verlust für den Jazz hielten: Starposaunist Nils Landgren versucht noch während ihres Studiums wiederholt, sie für den Gesang zurückzugewinnen.

    Für sein ABBA-Projekt 2003 nimmt er mit ihr eine Duett-Version von „The Winner Takes It All“ auf, das dann später auf der ACT Compilation „Magic Nordic Voices“ (ACT 9718-2) veröffentlicht wird.

    Und am 3. Juni desselben Jahres wird mit Landgren, Wolfgang Haffner, Dan Berglund, Jesper Nordenstadt und anderen nicht nur Viktoria Tolstoys ACT-Debüt „Shining On You“ (ACT 9701-2) in ABBAs legendären Polar-Studios eingespielt, derselbe Musiker-Pool begleitet vorher auch Pilnäs bei fünf Songs, die sich jetzt auf „Bitter And Sweet“ wiederfinden.

    2008 schließlich holt Landgren sie in sein zweites „Christmas With My Friends“-Projekt (ACT 9476-2), nicht nur für die Aufnahme, sondern auch auf Tournee durch Schweden und Deutschland.

    Der Gitarrist und Produzent Johan Norberg, hierzulande vor allem als Partner von Jonas Knutsson mit dem Duo „Norrland“ bekannt, ist die andere entscheidende Figur. Schon 2000 ist er in der Band, die Jessica Pilnäs alias Isa auf Japantournee begleitet. Von ihrem Talent überzeugt, schreibt er ihr sofort nach der Rückkehr einen Song und holt sie in sein Studio.

    In „The More I See“, das dann zunächst von Rigmor Gustafsson auf „I Will Wait For You“ (ACT 9418-2) vorgestellt wurde, geht es um den Moment des Erwachens der Liebe. Beide stellten fest, dass er ihre Beziehung widerspiegelt. Seither sind sie ein Paar und seit einigen Jahren Mann und Frau.

    All diese Stationen ihrer persönlichen wie musikalischen Entwicklung finden sich nun auf „Bitter And Sweet“. „Ich habe mich bewusst für diese Art Kompilation entschieden. Bevor ich etwas ganz Neues machen konnte, musste ich erst die Vergangenheit zu einem guten Ende bringen und präsentieren, was da gewachsen ist und mit viel Liebe gemacht wurde. Es ist eine Art Tagebuch.“

    Natürlich ist „The More I See“ zu hören, mit dem sozusagen die Jazzwerdung der Jessica Pilnäs begann, und auch „The Winner Takes It All“, das schon sehr typisch ist für das Understatement, das “gegen den Strich Bürsten“, mit dem Jessica Pilnäs Songs auf das Wesentliche abklopft und ihm mit ruhigem Jazz-Flow, feinsten Phrasierungen und eigenem Ausdruck neue, noch nie gehörte Gestalt gibt: „Viele schwedische Sängerinnen versuchen so hoch wie möglich zu singen.

    Ich mache fast das Gegenteil, ich versuche alles so einfach wie möglich und sozusagen so tief wie möglich zu gestalten“, erklärt sie ihren Ansatz.

    Was man auch den eigens für dieses Album eingespielten Interpretationen von „Don’t Dream It’s Over“ des neuseeländischen Songwriters Neil Finn und des Billie Holliday-Klassikers „Don’t Explain“, aber auch den Norberg/Pilnäs-Kompositionen „Just Not Today“, „Man In A Balloon“ und „Bitter And Sweet“ anhört.

    Und nicht nur bei Simon & Garfunkels „Bridge Over Troubled Water“ und „There Must Be An Angel“ von Eurythmics, deren Versionen ebenso der grandiosen Session in den Polar-Studios entstammen wie das Titelstück „Bitter And Sweet“, wird Pilnäs‘ Affinität zum Pop deutlich.

    „Es gibt so viele gute Popsongs, es wäre schade, wenn sie vergessen und einfach verschwinden würden. Ich habe einige ausgesucht, um sie selbst neu zu entdecken und sie dann dem Publikum neu nahe zu bringen.“

    Als approbierte Medizinerin hat Jessica Pilnäs einen Plan B für den Fall der Fälle. Doch im Moment spielt die Musik wieder die erste Geige in ihrem Leben: „Während der vergangenen Jahre sehnte ich mich wieder sehr nach der Musik.

    Die Freude am Singen ist immer mehr zurückgekommen, und ich bin glücklich jetzt wieder dem Publikum zu begegnen, live spielen zu dürfen. Ich will noch einmal richtig durchstarten.“ Worüber man sich als Hörer von „Bitter And Sweet“ nur freuen kann. Ebenso wie auf weitere Resultate einer ungewöhnlichen Karriere.

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