Präsentation von Künstlern und ihren Werken

Abstrakt und großformatig sind die neuen Werke des Künstlers Hans-Jürgen Linden. Er erweitert sein Arbeitsspektrum von der Gegen-ständlichkeit in die Abstraktion. Das Großformatige ist Ausdruckskraft seiner Arbeiten, die sich in unterschiedlichen Interpretationen darstellen.

Abstrakte Kunst setzt den Kontext aus dem Zusammenhang und bildet neue Akzente. Von den Gegebenheiten seiner selbst fotografierten, floralen Fotovorlagen geht er in die Abstraktion. Hieraus ergeben sich Veränderungen in Stil, Struktur, Perspektive und Farbgebung. In der Darstellung dieser Abstraktionen bildet Linden in gewissem Sinne einen spezifischen Eigenstatus. Was hierbei als das Wesentliche Gültigkeit hat, bestimmt auf der einen Seite der Künstler und auf der anderen Seite die Wahrnehmung des Betrachters. Im Idealfall bildet sich ein positiver, kommunikativer Prozess.

Florale Fotokunst von Hans-Jürgen Linden

Die aktuellen Fotokunstwerke des Künstlers werden im Großformat mit Maßen von beispielsweise 300 x 180 cm oder größer umgesetzt. Sonderformate als Auftragsarbeit sind möglich, z.B. Triptychon: 3 m hoch x 5,40 m breit oder im Duo-Breitformat (2-teilig) 1,80 m hoch x 6 m breit. Sie werden in Galeriequalität im exklusiven und hochwertigen Diasec-Verfahren produziert. Dabei handelt es sich um ein patentiertes Verfahren, das Bilder von bestechender Klarheit und höchster Brillanz erzeugt. Alle Werke der neuen Reihe erscheinen jeweils in einer limitierten Auflage von 12 Stück und sind auf der Rückseite signiert, datiert und nummeriert. Die vollständige Serie der abstrakten Motive finden Sie unter Gallery II.

Zum Künstler:

Linden ist ein interdisziplinärer Grenzgänger zwischen Kunst und Kommunikation. Corporate Art eine logische Konsequenz seiner kreativen Laufbahn, die in den 1970er-Jahren mit einem Studium an den Kölner Werkschulen und der Kölner Fachhochschule für Fotografie startete. Seit Mitte der 1990er-Jahre arbeitet er mit der digitalen Fotografie. Die floralen Motive seiner aktuellen Serie arrangiert er durch Verfremdung zu neuen Sichtweisen und Perspektiven, die abstrakten Creationen ergänzen sich dazu. Alle Werke und Kontaktdaten finden Sie unter www.linden-corporate-art-gallery.eu.

E-Mail: office@linden-corporate-art-gallery.eu

Wolfgang Neumann malt, zeichnet, schreibt und singt. Seine Songtexte, so der Kunsthistoriker Tilman Osterwold, "sind beobachtend, selbstreflektiv, kombinatorisch angelegt; sie bieten einen denkbaren Schlüssel im Versuch, dem reichhaltigen bildnerischen Werk dieses vielschichtig inspirierten und komplex inspirierenden Künstlers näher zu kommen".

Dieser Mann macht neugierig

"Der Gang in Wolfgang Neumanns Atelier", berichtet Osterwold, "brachte die Ambivalenz in den Temperaturen seiner Bilder besonders intensiv zur Wirkung. Das Klima seiner Bilder wirkt auf den ersten spontanen Blick herb, gleichzeitig aber ist es von einer empfindsamen Wärme durchzogen. Die sensiblen Nuancen verstecken sich in den schroffen Temperamenten einer haltlosen bis aggressiven, engmaschigen bis weiträumigen Bildwelt, deren 'leere Fülle' sich kompositorisch und medial sucht und verliert: eine Art chaotischer Neuordnung…"

Ausstellung in Berlin - Flashlight und Blackout

Der Gang in unsere Galerie offenbart dem Kunstinteressierten eine Fülle neuer Malereien und Zeichnungen, eine großformatige digitale Radierung – und ein Bild, das Wolfgang Neumann nur für diese Ausstellung auf die größte Wand der Galerie malt. Besucher der Vernissage kommen zudem in den Genuss einer Live-Performance: Der Künstler tritt mit seiner Band ART-ATTACKE auf.

Ein Katalog zur Ausstellung ist in Vorbereitung.

Vernissage Samstag, 8. März 2014, 19 - 21 Uhr
Music-Performance ART-ATTACKE, 20.30 Uhr
Fasanenstr. 37   10719 Berlin
office@berlin-contemporary-art.com
www.berlin-contemporary-art.com

Die junge Malerin Sladana Matic Trstenjak entwickelte speziell für  die thematische Personal-Ausstellung "Himmel über Sarajevo", in der Grazer Galerie Blaues Atelier, einige herausragende Bilder, die  ausnahmsweise auch figurale Kompositionen einschließen.

Sladana Matic Trstenjak bezieht  sich auf historische Motive des Sarajevo Attentats (Gavrilo Princip  und »Junge Bosnien«), die als eine Vorwarnung einer ganzen Reihe von katastrophalen Kriegsführungen auf dem bosnischen Gebiet im XX.  Jahrhundert betrachtet werden kann. Immerhin, der Himmel über Sarajevo war und bleibt unverzerrt, wie die Hoffnung auf eine ruhige  und perspektivenreiche Zukunft der multinationalen Bevölkerung, die  dort schon seit Jahrhunderten zusammen lebt und stirbt, den jeweiligen politischen Tumulten ständig trotzend.

Nachklänge des deutschen Expressionismus

In ihrem Malstil spiegeln sich überraschenderweise die Nachklänge des deutschen Expressionismus, die durch ausgeprägte  Flächenhaftigkeit, deformierte Formgebungen und einer starken, am  häufigsten schwarzen "noldischen" Kontur auf der einen Seite  gekennzeichnet sind. Auf der anderen Seite handelt es sich um  individuelle Variationen geometrisch stilisierter,  bildzeichnerischer Abbildungen von Landschaftsmotiven, die sie aus  der freien Phantasie nachempfindet. Sie liegen in ihrer Betonung auf  Wäldern oder einzeln herausragenden Bäumen. Obwohl die bildnerische Gesamtgestaltung auf den ersten Blick einen fast druckgrafischen Flächeneindruck vermittelt, wird durch die warm-kalte  Farbmodulierung, mit akzentuierten schwarzen Partien, trotzdem ein starkes Raumgefühl vermittelt. Als Besonderheit werden auf der Bildoberfläche kollageartige, mit Bleistift- oder Kohlezeichnungen  vorgefertigte und zerrissene Papierstücke aufgebracht.

Die Malerin Mag.a Sladana Matic Trstenjak ist in der Mariborer Kunstszene eine willkommene Bereicherung, da sie von der in  Slowenien weniger bekannten Akademie der bildenden Künste aus Siroki  Brijeg (BiH) kommt, welche von berühmten kroatischen Kunstprofessoren nach dem Krieg mit der Absicht gegründet wurde, die  traditionsreichen Erfahrungen auf dem Gebiet der Kunstpädagogik in  breitere Kulturspheren auszustrahlen.

Mario Berdic, Kunstkritiker, Maribor



Kontakt:
Kerstin Eberhard
Kunst- und Kulturmanagement
florinda@inode.at
Galerie Blaues Atelier
Annenstraße 33
A-8020 Graz
Österreich

Die in Dortmund geborene Künstlerin Corinne Wasmuht wuchs in Peru und Argentinien auf. Bis 1992 studierte sie an der Kunstakademie Düsseldorf und ist Meisterschülerin von Professor Alfonso Huppi. Die Künstlerin lebt heute in Berlin und ist Preisträgerin des August-Macke Preises, den sie 2011 verliehen bekam. Corinne Wasmuht zählt zu recht zu den einflußreichsten Künstlerinnen in Europa.

Das Werk von Corinne Wasmuht zeichnet sich durch eine vielschichtige, akribische Malweise und eine hohe Farbintensität aus. Die Künstlerin entwirft in großformatigen Ölgemälden Räume und Raumschichtungen, die mit Überlagerungen und Wiederholungen arbeiten.

Alles ist wichtig. Alles soll genau angeschaut werden

Einzelne Fragmente bleiben gegenständlich, andere lösen sich bis zur Abstraktion auf. Durch Doppelungen und Überschneidungen von Bildperspektiven und das Ineinanderblenden von Strukturen entstehen Eindrücke von rauschender Geschwindigkeit und leuchtender Farbigkeit.

Corinne Wasmuht malt nicht nur einfach Bilder, sie zeigt, dass die Bildende Kunst als Fachdisziplin für Wahrnehmung einer der ganz wenigen Orte unserer Gesellschaft ist, an dem grundsätzlich über unser Wahrnehmungsleben nachgedacht wird. Diese Einstellung hat sie wohl dem großen Geist der an der Düsseldorfer Kunstakademie der dort herschte zu verdanken.

"Wenn alles wert ist, genau betrachtet zu werden, muss ich mir dafür Zeit nehmen"

Die künstlerische Recherche von Corinne Wasmuht zeigt sich auch in ihren zahlreichen Papiercollagen. Diese sind Teil von Corinne Wasmuhts Bildarchiv, das Abbildungen aus Zeitschriften, Prospekten und weitere Drucksachen umfasst.

Die Papierarbeiten und ihre thematische Zusammenstellung unter Stichworten wie "Astronauten", "Wasser" oder "Explosionen" zeigen einmal mehr das elementare Interesse der Künstlerin an visuellen Strukturen und ihren großen Assoziationsreichtum. Eine Auswahl aus diesen Collagen wird ebenfalls Teil der Ausstellung sein.

Ausstellung in der Kunsthalle Kiel

Die Kunsthalle zu Kiel beginnt das Ausstellungsprogramm 2014 mit einer Werkschau der Künstlerin Corinne Wasmuht (*1964 in Dortmund), die zu den bedeutendsten deutschen Malerinnen der Gegenwart zählt. Die Ausstellung umfasst Werke von 1989 bis in die Gegenwart, von den frühen, mikroskopisch anmutenden Strukturbildern bis zu ihrem jüngst vollendeten Gemälde. Das wandfüllende Werk wird im Rahmen dieser Einzelausstellung zum ersten Mal öffentlich präsentiert.

15. Februar bis 9. Juni 2014

Thomas Wrede über seine Fotoarbeiten

Die Künstlerin Gila Abutalebi, mit der die Gesellschaft Freunde der Künste schon mehrere Kunst und Kultur Projekte veranstaltet hat, unter anderem das Goethe-Festival 255 Jahre Goethe "Wie sehen Künstlerinen Goethe", erzählte uns dass sie eingeladen wurde zu einer Einzelausstellung zum 16. ISLAMIC ART FESTIVAL 2014.

Das Emirat Sharjah ist die islamische Kulturhauptstadt 2014. Im Emirat Sharjah gibt es über 20 Museen, Nationalparks und Botanische Gärten. Im Rahmen der Aktivitäten als Kulturhauptstadt 2014 ist auch eine gemeinsame Ausstellung des Museum für islamische Kunst in Berlin und des Museum for Islamic Civilisation in Sharjah geplant.

Kulturhauptstadt der arabischen Welt

Das Festival findet in Sharjah einem der sieben Emirate bei Dubai statt. Als Persisch-Deutsche Künstlerin empfindet Gila Abutalebi das als grosse Auszeichnung womit sie niemals gerechnet hätte.

Ungesehen. Unbeschreiblich. Unglaublich. Ein unbekannter Autor schreibt: „Orientalisch, persische Kreativität wird verbunden mit westlicher Realität und Innovation ...“ Die Künstlerin selbst nennt ihre Arbeit Transparente Lyrik. Nun präsentiert sie ihre Serie „In Love with K – K Visuals“.

Feuer der Liebe, Leidenschaft zur Sprache

Die Deutschiranerin Gila Abutalebi ist eine Ausnahmekünstlerin. Besser noch: ihr Werk ist eine Ausnahmeerscheinung auf dem Kunstmarkt. Das verwandte Material wie die bearbeiteten Themen und die Art ihrer Darstellung verleihen dem Oeuvre ein Alleinstellungsmerkmal in der Welt der vielfach von Picasso oder Warhol beeinflussten Plagiaten.

Zeitgenössische Kunst und Kalligrafie

Transparente Materialien und leichte Farben werden hier verwendet, die teils in mehreren Schichten übereinander gelegt in ihrer Mehrdimensionalität geradezu einen Schwebezustand erlangen. Der Hintergrund ist gekennzeichnet von einem vollkommenen Gleichmaß der verwandten, traditionellen nicht gegenständlichen Formen.

Mit ihnen wird die ganze Fläche in einheitlicher Farbgebung gestaltet. Die darüber liegende Schicht oder Schichten wenden sich der Darstellung der Gegenwart oder sogar der Zukunft zu. Sie sind also der Vergangenheit im wörtlichen Sinne „vor-gehängt“.

Kompositionen aus Sprache, Bild, Tiefe und Transparenz

In Gebärde und Ausdruck bilden sie das diametrale Gegenteil der Vergangenheit: unbestimmter, größer und wohl auch gröber gestaltet ,aber expressiver, ja geradezu explosiv in der Aussagekraft. Alles das eine zutreffende Charakterisierung von gestern, heute und morgen.

Das Gestern kennen wir im Detail, das Heute und das Morgen sind unbestimmt, unklar, allenfalls mit dem Herzen sichtbar. Die Werke beziehen aus dieser Korrespondenz, ja besser gesagt, Konkurrenz, ihre ungeheure Spannung.

Auf ihrer Reise zu sich und zu ihrer Kunst

Mit einer spürbaren Liebe, unendlichen Farbspielen, bis hin zum Kampf der Zeitalter, der Buchstaben, Gefühle und sogar der Welten beschreibt die Künstlerin ihre Werke. Seit bald zwei  Jahren visualisiert sie den Buchstaben „K“ auf ihre Weise in seiner ungeheuren sprachlichen und kulturellen Bedeutungsvielfalt. Es entstehen die „K Visuals“ . Das K wird zum Held ihrer Kunst. Dass ein Buchstabe und kein Wort visualisiert wird, erlaubt eine viel größere Deutungsvielfalt. Vom absolut Negativen bis zum hoffnungsvoll Positiven.

Es gibt also das gute „K“ (Kuss)

wie auch das böse „K“Krieg.

Auch K-opflose

K-reaturen, K-ommunikation, K-orruption

K-reation, K-ettenreaktion,

K-onflikt. 

Die dargestellten Deutungen beruhen auf der Reflektion der K-ünstlerin. Die Reflektion kann zur Gegenreflektion werden. Diese mag sich zwar vielleicht nicht jedem direkt erschließen. Aber derjenige wird reich belohnt, der sich die Mühe macht, sich mit dem Inhalt des Bildes detailliert auseinander zu setzen.

Fern ab ist Gila Abutalebi von jeglicher Bevormundung des Betrachters. Dieser wird im Gegenteil aufgefordert, eigene Überlegungen und Sinndeutungen anzustellen. Die Künstlerin sieht sich primär in der Rolle der Fragenden, die Fragen kommuniziert und die dem Betrachter Spielraum für eigene Antworten lässt. Jedenfalls wird die „Kunst Abutalebi“ damit der Aufgabe gerecht, die wir heute der künstlerischen Darstellung überwiegend geben - nämlich, sich gesellschaftskritisch zu Wort zu melden.

Nicht fototechnisch nicht verbal transportieren ihre Werke die volle Wirkung, sie sind durch das gezielt eingesetzte Lichtspiel ein absolutes Live Erlebnis. Wenn Leben künstlerische Entwicklung ist, dann haben wir von der jungen lebendigen, vor Originalität sprühenden Künstlerin noch manches zu erwarten.

Die Ausstellung des 16. Islamic Art Festival geht vom 06.01.2014 - 06.02.2014

(Herwig Nowak, 2013)

Solo Exhibition, Leipzig, Germany

salve art gallery

17/01/2014 – 03/03/2014 in Leipzig

Vernissage 17/01/2014 19h

Bartels Hof │ Hainstrasse 1-3 │ D-04109 Leipzig

Tel. +49 (0)341 1492369

Mobil + 49 (0)177 3506585

office@salve-art-gallery.de

www.salve-art-gallery.com

Gottfried Böhmer

Nachrichten, Stories, Meinungen und Unterhaltung

Freunde der Künste,
das Sprachrohr der Kreativwirtschaft

Die Freunde der Künste wollen Euch nun den Künstler Stefan Philipps als Werk der Woche vorstellen. Die Weihnachtszeit naht und damit die Zeit des Überflusses und des Konsums. Unter dem Motto Schöne Bescherung zeigt Stefan Philipps im Kunstverein Trier Junge Kunst seine neuesten künstlerischen Ueberraschungen.

Wie schon zuvor thematisiert Philipps den Umgang des Menschen mit Umwelt und Natur, indem er Alltägliches zu kuriosen Objekten umformend den Vanitasgedanken thematisiert. Die Präsentation der Objekte erinnert dabei einmal mehr an barocke Wunderkammern, Kuriositätenkabinette oder auch an phantastische Traumbilder.

Stefan Philipps will den Betrachter zum Nachdenken bringen

Inhaltlich geht es dabei nicht nur darum, dem Betrachter ein Schmunzeln zu entlocken, sondern auch um assoziatives Betrachten und die Visualisierung der Ernsthaftigkeit des menschlichen Handelns in der Welt. Humor ist jedoch eine wichtige Zutat der ausgestellten Arbeiten und diese sollen so auch die oftmals sehr verbissene Ernsthaftigkeit des Kunstbetriebes in Zweifel ziehen.

Darf Kunst lustig sein?
Die Frage ob Kunst lustig sein darf, wird in der Hinsicht beantwortet, dass allen Objekten und Malereien eine tiefgreifendere, zum Nachdenken anregende Ebene zugrunde liegt. Jeder Betrachter kann diese in dem Bewusstsein, dass Humor nie gleichbedeutend mit Banalität ist, für sich entdecken.
Die Objekte und Installationen in der Galerie Junge Kunst werden zu Metaphern menschlichen Handelns und illustrieren auf humorvolle Weise Themen unserer Zeit.

Über seinen Werkzyklus "Knochenobjekte" sagt Stefan Philipps:

Humor spielt eine wichtige Rolle bei der Betrachtung der Knochen-Arbeiten, doch im selben Moment bleibt das Lachen im Halse stecken und eine weitere finstere und düstere Ebene offenbart sich. Kronleuchter, Teppiche und blumige Stoffmuster präsentiert Stefan Philipps in der Tradition barocker Wunderkammern. Schöpfung und Vergänglichkeit werden mit Hilfe witzig verfremdeter Objekte aus Hühnerknochenabgüssen thematisiert.

Brathähnchen und andere verlorene Paradiese

Alltagsobjekte wie Lampen, Teppiche, Tapeten oder eigenartige Gewächse in gemeinen  Blumentöpfe spickt der Künstler Stefan Philipps mit Hühnerknochen und läßt sie zu Versatzstücken einer absurden Inszenierung werden. Sie zeigen den Hang zum Künstlichen, die Suche nach dem ewig Neuen. Unter dem Deckmantel einer humoristischen Oberfläche beschäftigen sich Philipps Arbeiten mit der Genesis im Sinne einer Neukreation. Ihr Fetischcharakter ermöglicht eine Vielzahl von Interpretationen und Sichtweisen. Als Memento mori im barocken Sinn zitieren sie auch den Gedanken: Jegliche Kreatur gedenke ihrer Vergänglichkeit oder sie erzählen uns einfach phantastische Geschichten vom Brathähnchen und anderen verlorenen Paradiesen.

Vita Stefan Philipps

1958 geboren in Saarburg Bez. Trier, lebt und arbeitet in Trier und York

1978-94 Studium der Geographie und Politikwissenschaft in Trier und Montreal/Kanada

Lehrerausbildung, Zivildienst

Studium der Bildenden Kunst in Mainz, Staatsexamen

Studium der Freien Bildenden Kunst in Mainz bei Prof. Elfi Knoche-Wendel

seit 1993 Kunsterzieher in Wiesbaden, dann Trier

seit 1995 freie Arbeit in Trier

seit 2006 freie Arbeit in York

seit 2009 Vorsitzender Kunstverein Trier Junge Kunst in Trier

(http://www.junge-kunst-trier.de/)

Einzelausstellungen

2013 Trier, Kunstverein Trier, Schöne Bescherung!

Morbach, Kunst im Gewächshaus 2013

2011-14Y ork, Open Studios

2011 Echternach (Luxembourg), Studio Zenz, Rost-Rot II

2008 Rockenhausen, Mueum Pachen „Hühnerei“

2006 Schweich, Synagoge, „Rost-Rot, Neue Arbeiten“

Köln, Kunstraum 320, „Pret à manger…“

2005 Winningen, Galerie im Kelterhaus, „Pret à manger…“

Schönecken, Altes Amt, „Pret à manger…fast food in slow motion“

Trier, Rathaus, Trier Zimmer, „Rost Rot“

2003 Grevenmacher/Luxembourg, Kulturhuef, „Trautes Heim…“

2001Trier, Kunstverein Trier Junge Kunst „Neues aus dem Wienerwald“

Altenkirchen, Galerie Scafare, „Prozesskunst“

Winningen, Galerie im Kelterhaus, „Textile Objekte“

Auszeichnungen

1990 1.Preis: Speyer Sozialgericht: Der Mensch und das Recht

1991 1.Preis: Jockrim, Z

Gruppenausstellungen

2012 York, Barlane Studios, Art Trier - Kunst York

Trier, Tuchfabrik, Reliquie - Teisch in Kirche, Kunst und Konsum

York, Greys Court, YOS Taster exhibition

York, Open Studios York 2012

2011 Luxembourg, Galerie beim Engel, L’art en marche

York, Open Studios York 2011

2009 Gloucester, UK, Art festival

Trier, Tufa, „Ad hoc“

2006 Köln Kunstraum 320, Mir sin die wo gewinne welle

Trier, Gesellschaft für Bildende Kunst, Jahresausstellung

2005 Bopard, Villa Belgrano, Kunstverein Mittelrhein, Künstler des

Kunstvereins Trier, Junge Kunst Trier,

Gesellschaft für Bildende Kunst, Jahresausstellung

2004 Trier, Gesellschaft für Bildende Kunst, Jahresausstellung

2003 Trier, Kunstverein Trier Junge Kunst, Künstler der Galerie

Trier, Gesellschaft für Bildende Kunst, Jahresausstellung

Brüssel, Luxembourg, Pirmasens, Trier, „ Mein Aldi mon Cora de Lux (K)

2002 Trier Kunstverein Junge Kunst, Jahresausstellung

Trier, Gesellschaft für Bildende Kunst,: Sieh um Dich

Trier, Kunstverein Trier Junge Kunst: Wahlverwandtschaften

2001 Trier, Gesellschaft für Bildende Kunst, Baukasten Trier (K)

Trier, Katholische Akademie: Sein oder Nicht Sein

Trier, Rockenhausen, Kunstverein Trier Junge Kunst: 40 x40

1999 Trier, Tuchfabrik,: L´art en marche

Trier, Kunstverein Trier Junge Kunst: 40x40

1998 Trier, Museum Simeonstift, Ramboux-Preis der Stadt Trier

Sprinkange (Lux): L´art en marche

Trier, Kunstverein Trier, Junge Kunst: Jahresausstellung

Trier, Gesellschaft für Bildende Kunst: Jahresausstellung

Thionville,(F), Centre Culturel Jaques Brel: L´art en marche

1996 Bad Mondorf, (Lux) Casino

1995 Winningen, Galerie im Kelterhaus, 50 x 50

1994 Mainz, Frankfurter Hof: Bitte anfassen – Kunst zum Begreifen

Frankfurt , Museum für Kunsthandwerk, 6. Triennale 1994 (K)

Leipzig, Grassi Museum, 6. Triennale 1994 (K)

1992 Luxembourg, LAC, Salon de Printemps 1992 (K)

Mainz, Landesmuseum Mainz :: Landeskunstausstellung (K)

1991 Kunstverein Neustadt: Textil

München, Galerie Handwerk: Sommerfahnen

Brandenburg, Petrikapelle: Plastik zum Begreifen

Jockrim, Zehnthaus: Junge Künstler Rheinland-Pfalz

1990 Speyer, Sozialgericht, Der Mensch und das Recht

Sindelfingen Textilpreis der Stadt Sindelfingen (K)

Saarbrücken, Metz, Mein Aldi mon Cora de Lux

Trier, Gesellschaft für Bildende Kunst, „Oh Mosella“

Luxembourg, LAC, Salon de Printemps (K)

Mainz,, Kunstverein Trier Junge Kunst im Landtag, „40x40x40“Kunstverein Trier Junge Kunst, Wahlverwandtschaften

(K) = Katalog / Catalogue

Inspirierte Tamara de Lempicka nicht nur die Parfumwelt zur Entwicklung eines Parfums (Lolita de Lempicka = eine Ode an die Weiblicheit) – sondern auch das Mobellabel Louis Vuitton setzte Madonna wie eine Hollywood-Diva im Stil der Malerin Tamara de Lempicka 2009 in Szene.

Die Stilikone Victoria Beckham blickt selbstbewusst auf Heiner Meyers Werk. Hier trifft europäische Pop Art der 50er Jahre auf gestischen Expressionismus. Heiner Meyers Malerei wirkt doppelbödig. Meyer zeigt die glamouröse Welt und lässt zugleich die Brüchigkeit hinter der Fassade durchschimmern. Das ausgestellte Werk zeigt Fashionista und Ex Spice Girl Victoria Beckham stickend auf einem Ball des Künstler Takashi Murakami sitzend. Takashi Murakami lieferte 2003 das Design für Louis Vuitton.

Heiner Meyer läßt Dekadenz auf Galmour treffen

Heiner Meyer arbeitet in der Tradition der amerikanischen "Pop-Art", welche u.a. vom Bildgut der Alltagskultur, der Welt des Konsums, den Massenmedien und der Werbung Gebrauch macht.

Heiner Meyer entwickelt für das 21. Jahrhundert von Deutschland aus kongenial eine eigene Bildsprache. Es gelingt ihm, in seinem Werk das Defilee der Werbe-, Konsum-, Alltags- und Kinowelt, sowie die Strukturen von Gier, Macht, Glamour und Genuss in einer ausgewogenen Mischung aus Ironie und Verherrlichung festzuhalten.

Heiner Meyer ist international bekannt, seine Arbeit wird weltweit mit Ausstellungen gewürdigt.

Heiner Meyer:

1953 in Bielefeld geboren
1973 Assistent bei Salvador Dalì, Port Liggat, Spanien
1977 Studium der Freien Kunst an der Hochschule der Bildenden Künste Braunschweig, bei den Professoren Hermann Albert, Lienhard von Monkiewitsch, Karl Schulz und Malthe Sartorius.
1981 Meisterschüler bei Prof. Malthe Sartorius
1982 Lehrauftrag an der HBK Braunschweig, Heirat mit Brigitte Worbs, Einrichtung des ersten Ateliers in Bielefeld
1986-1990 Lehrauftrag an der Fachhochschule Bielefeld am Fachbereich Visuelle Kommunikation
1996 Reisestipendium für Japan durch das Goethe-Institut Kansai
2010 Heiner Meyer lebt und arbeitet in Bielefeld

       
Zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland.

Eva-Maria Wiest M.A.
Öffentlichkeitsarbeit

GALERIE NOAH GmbH
Beim Glaspalast 1
86153 Augsburg

eva.wiest@galerienoah.com

Robert Reiter:

1961 in Augsburg geboren

1980 Mitbegründer einer Künstlergruppe, die mit neuartigen bildnerischen Techniken experimentiert

2005 erste Werke der "Digital Art" - Reihe

2006 Teilnahme an der Großen Schwäbischen Kunstausstellung

2009 Ausstellung in der Galerie Noah: 24.07. – 30.08.2009 Neue Bilder: Robert Reiter und Roger Fritz

Lebt und arbeitet in Augsburg. Robert Reiter beschäftigt sich seit einigen Jahren als Fotograf und Illustrator mit digitaler Malerei. In seinen Arbeiten zeigt er die Umsetzung und Bearbeitung von eigenen Fotografien am Computer. Durch diese Verfremdung entstehen spannende, beziehungsreiche neue Werke, die durch ihre eigenständige Aussage überraschen.Robert Reiter zum Entstehungsprozess seiner Bilder:„In der Phase der Reduktion von Bild und Farbdetails innerhalb eines Bildes erreiche ich (idealerweise) einen sehr eng definierten Punkt, an dem das Zusammenspiel der Farbflächen plötzlich von einem "Geräusch" zu einem reinen "Klang" führt, der, bei geringsten Änderungen der Flächenzusammenstellung, wieder in ein "Rauschen" zurückfällt. Mein Ziel und meine Faszination ist es also, mich in den von mir ausgewählten und bearbeiteten Fotografien auf die Suche nach dem verborgenen reinen Klang zu begeben.“Der Ausstellungstitel Scrabble, nimmt Bezug auf das vom Architekten Alfred Mosher Butts 1931 entwickelten Spiel Scrabble. Butts Ziel war es, ein Spiel zu schaffen, das je zur Hälfte durch Glück und Können der Spieler beeinflusst wird.

Kontakt:
Galerie Noah
Tel.: 0821 8151163
E-Mail: office@galerienoah.com

Ana Pusica beschäftigt sich mit Identität und Intimität, verweigert sich gleichzeitig aber einem Überangebot an Information. Schon immer war sie an denselben Dingen interessiert: Räume, Figuren, Körperformen und Kontraste. Dabei fokussiert sie sich auf die Komposition, die Farben und das Bildformat.

Konzentration aufs Wesentliche

Bei der Komposition bleiben alle Figuren stets anonym. Die Bildsprache ist auf das Wesentliche reduziert, auf Details, die einem jedoch im Gedächtnis bleiben. Es fasziniert Ana Pusica, zu erfahren und herauszuarbeiten,  was mit einer Figur vor einem farbigen Hintergrund alles gemacht werden kann. Klare Farben, starke Bewegungen und einfache Strukturen sind die Mittel der Künstlerin, um einem prägenden Eindruck zu schaffen.

So untersucht sie in Momentaufnahmen die Wirkung unterschiedlicher Bewegungen des menschlichen Körpers. Deswegen haben Modelle, mit denen sie arbeitet, einen großen Einfluss auf ihre Ideen. Mit den sie umgebenden  Räumen und Flächen intensiviere sie den Effekt der Dynamik, Stärke und Spontaneität der Komposition.

Leuchtkraft der Farben

Die Zusammenstellung der Farben basiert auf Varianten und Abstufungen, deren Kombination darauf abzielt, räumliche Tiefe zu erzeugen und die von den Bildrändern her eingeblendeten Figuren oder Figurendetails in eine räumliche Struktur einzubinden. Die  Leuchtkraft  der Farben und intensiven Kontraste entstehen durch die Technik, mehrere Lagen von Farben übereinander aufzutragen.

Die erste Grundfarbe ist meistens schwarz. In früheren Bildern hat  Ana Pusica ausschließlich drei Farben verwendet, wobei sich die Farbtöne des Hintergrunds immer von denen der Figuren unterscheiden.  In letzter Zeit arbeite sie mit mehr Farben, insbesondere bei der Gestaltung der Figuren. Dadurch wird das Bild im Ausdruck  vielseitiger, komplexer und vitaler.

Ana Pusica arbeitet mit Vorzug auf großformatigen Leinwänden 

Dies beruht insbesondere auf der angewendeten Technik des Farbauftrages. Durch  die mehrfache Aufbringung von Farben übereinander und Verwendung von viel Farbmaterial  erzeugt sie eine sichtbar gewordene Struktur von Farbschichtungen auf der Leinwand, die jedoch bei jeder Arbeit anders ausfallen und  dementsprechend  eine unterschiedliche Wirkung erzeugen. Sie reicht von undurchsichtiger Dichte bis hin zur Klarsicht durch zart milchige Schichten.  Diese verleihen den Figuren eine plastische Anmutung und werden zugleich klar vom Hintergrund abgegrenzt.