Präsentation von Künstlern und ihren Werken

Der Künstler Nazim Ünal Yilmaz sollte sich in der Türkei besser nicht blicken lassen. Unter Erdogan Herrschaft dürften Homosexuelle einen schweren Stand haben.

  „Er macht sich selbst zum Thema mit seinen Begehrlichkeiten“ so Daniel Richter über die Arbeiten Nazim Ünal Yilmaz' in der Ausstellung Painters on the run.

In der Schau im Kunsthaus Stade sind derzeit Yilmaz' Bilder ausgestellt, in denen er sich mit seiner Homosexualität auseinandersetzt, das Machtgefüge zwischen Staat und Religion in seinem Geburtsland der Türkei darstellt und immer wieder auch die Rolle der Sexualität in der Gesellschaft hinterfragt.

Nazim Ünal Yilmaz hat sein Studium an der Akademie der bildenden Künste in Wien mit Auszeichnung abgeschlossen, er hatte in Daniel Richters Klasse studiert und war diesem immer wieder aufgefallen.

Richter über das Werk Yilmaz': „Er trifft Aussagen über die Welt und sich und nicht über seine Befindlichkeiten. Dabei ist seine Malerei sehr humorig und selbstironisch, mal übertrieben pathetisch, ein bisschen schwelgerisch, barock-manieristisch, mit präzisem, zugreifendem Pinselstrich. Es geht dabei mehr um eine Form von Wahrheit und Bild als um Schönheit.“

PAINTERS ON THE RUN
Gegenwartskunst von Kalu Obasi, Anne Cathrin Ulikowski, Nazim Ünal Yilmaz und Daniel Richter

Kunsthaus Stade

Kunsthaus Stade

Wasser West 7
D 21682 Stade
t +49 (0) 4141 44824

f +49 (0) 4141 45751
www.kunsthaus-stade.de

Curriculum Vitae Nazim Ünal Yilmaz
1981 born in Trabzon, Turkey

2005 Anatolia University, Fine Arts Faculty, Turkey
2010 Akademy of Fine Arts Vienna, Austria master degree, lives and works in Vienna and Istanbul

Bild 3-4: Portraitbilder Nazim Ünal Yilmaz

Durch dirkson's Arbeiten geschieht genau das, was Kunst in ihrem Anspruch im Sinn hat: nämlich die Automatismen unserer alltägliche Wahrnehmung zu brechen, die Gegenstände wieder sichtbar zu machen, indem der Künstler (oder das Kunstwerk) die Dinge da draußen verfremdet.

Es ist eine Art der Freudschen Unheimlichkeit, die dirkson in seine Bilder einschreibt. Wenn man von Unheimlichkeiten spricht, dann meint man die Momente in den Bildern, die so geheimnisvoll, verborgen und unergründlich sind, dass sie unsere ganze Aufmerksamkeit gefangen nehmen.

dirkson's Figuren machen glauben, dass sie sich absolut nicht für ihre Betrachter interessieren. Ihre Körper gehen auf Distanz, versuchen befremdlich zu wirken, aber gerade diese zur Schau getragene Fremdheit führt uns wieder zu den eigentlichen Dingen zurück.

Olaf Nenninger

Bilder: Rouge & Rettich ganz privat, 2000,  Collage auf Leinwand, 30 x 30 cm

Atelier dirkson

Dirk Stegmeyer

Danzigerstraße 47

10435 Berlin

030-42 80 34 81

0179-693 88 11

www.dirkson.de

Vita dirkson

1970 in Köln geboren, wuchs dirkson am Tegernsee in Oberbayern auf. Er studierte Industrial Design an der Fachhochschule für Gestaltung München. 1996 erhielt er den Bayrischen Designförderpreis. Es folgten zahlreiche Ausstellungen seiner Arbeiten in München, Köln, Weimar, Bielefeld, Potsdam und Berlin.Heute lebt und arbeitet er als freier Maler und Gestalter in Berlin.

Die Werksreihe ROLMODELLEN mit Bildern von Schilte & Portielje wurde von der Hamburger Galerie Hilaneh von Kories präsentiert. Ein Bilderkosmos ganz in schwarz-weiß, und eine Welt, in der oft einzelne, entrückt wirkende Figuren den Mittelpunkt behaupten.

Diese Sicht bestimmt den ersten Eindruck des Werkes des niederländischen Fotokünstler-Duos Schilte & Portielje. Schnell ließe sich auf klassisch analoge Fotografie schließen.

Doch die Figuren, überwiegend Frauen mit eigenwillig verdrehten, manchmal manieristisch anmutenden Gliedmaßen und aufwändiger, an extravagante Haute Couture erinnernde Garderobe, offenbaren die willentliche Konstruktion dieser Körper.

1975 haben sich die gelernte Malerin Jacqueline Portielje und der studierte Architekt Huub Schilte kennengelernt und inspirieren sich seither nicht nur gegenseitig in ihren Einzelarbeiten, sondern ergänzen sich derart, dass sie seit 1997 unter dem Gemeinschaftsnamen Schilte & Portielje zusammen arbeiten.

Beide erforschen seit 1994 den Computer als künstlerisches Medium und nutzen ihn als »digitale Dunkelkammer«, aber auch als Zeichen- und Malwerkzeug für ihre fotografischen Arbeiten.

Technisch gesehen produzieren Schilte & Portielje Computer-Collagen, denen lange und komplexe Arbeitsvorgänge vorausgehen. Jeder für sich wählt aus einer großen Bilddatenbank Fragmente aus, die anschließend auf ihre Tragfähigkeit für ein gemeinsames Bild untersucht werden und zu klein- bis großformatigen, aus mehreren Sektionen bestehenden Bildern verwirklicht werden.

Die Zusammenarbeit, in der sie ebenso Einzelnes wie Gemeinsames produzieren, schließt kritisches Begutachten und Verwerfen jedes einzelnen Beitrags ein. Dieser Produktion unterliegt ein Prozess der Intuition, der keine genaue Regeln, vielmehr ein lang eingeübtes Verständnis kennt.

Was in den ausschließlich schwarz-weißen Bildern auffällt ist neben der Behandlung der einzelnen Figur die Rückenansicht. Zahlreiche ihrer Werke zeigen den Menschen von »hinten«, manchmal auch hinten und vorne kombiniert, indem die Beine sich ins Bild hinein bewegen, der Oberkörper sich aber aus diesem hinaus bewegt.

Anderen Bildern wohnt ein dezent surrealistischer, manchmal sogar mythologischer Zug inne, wie z.B. dem Bildnis einer Frau mit überdimensioniertem Schwan, welches unweigerlich an Darstellungen der Leda erinnert.

Schilte & Portieljes Werke reflektieren die Welt, in der sie leben, auf künstlerische Weise. Sie beschäftigen sich mit fundamentalen Aspekten des menschlichen Seins. Um jedoch der Deutung ihrer Bilder keine Richtung zu geben, verzichten Schilte & Portielje bewußt auf Titel. Die Interpretation ihrer Arbeiten soll ausschließlich beim Betrachter liegen.

Ihre Werke sind keine Fotografien im klassischen Sinne, sondern vielmehr Bilder, die sie »in einen Dialog zwischen Fotografie und Zeichnung« setzen. Deshalb verwundert es auch nicht, ihre Arbeiten wie in der Malerei teilweise mit Firnis versiegelt zu sehen.

Die Ausstellung »Rolmodellen« zeigt eine Auswahl von großformatigen Lambda-Prints auf mattem Acrylglas in Holzrahmen. Bei den kleinen Motiven handelt es sich um Prints auf Fuji Crystal, übertragen auf Leinwand und aufgezogen auf handgefertigte Holzrahmen, mit UV-Gel und Firnis beschichtet. Unter dem Titel »photoworks beyond reality« ist ein Ausstellungskatalog erschienen. Huub Schilte und Jacqueline Portielje arbeiten und leben in Rotterdam.

www.schilteportielje.com

Galerie Hilaneh von Kories
Stresemannstraße 384a (im Hof)
22761 Hamburg
Fon: +49 (40) 423 20 10
mail@remove-this.galeriehilanehvonkories.de
www.galeriehilanehvonkories.de

Was ist daraus geworden? Alles ist möglich – aber in der zeitgenössischen Kunst entsteht tatsächlich nur selten etwas „Neues,“ etwas, das unsere Wahrnehmung und unseren Geist wirklich fordert. Werke, bei denen uns während der Betrachtung ein leichter Schwindel erfasst - ein Zeichen dafür, dass das Gesehene in keine bekannte Kategorie passen will. Wie bei der 2001 in Berlin gegründeten Künstlergruppe ARTISTS ANONYMOUS.

Ein Gedankenexperiment

Einmal angenommen, man könnte alle jemals geschaffenen Bilder übereinander legen, bis aus dieser Schichtung von Motiven und Farben Schritt für Schritt ein Einheitsfarbton würde. Das Ende der Farbigkeit. Vielleicht bliebe nur Schwarz.
Everything is done.

Oder wir nehmen an, es gäbe eine Art Resetbutton, um die innere und äußere Bilderflut zu löschen. Ein Neuanfang. Wahrscheinlich wäre das, was übrig bliebe, reines Weiß. Die Farbe, die alle anderen enthält, oder gemäß Malevich, der „monochrome Nullzustand.“ Everything is possible.

Diese beiden Pole thematisieren – in Form je eines weißen und eines schwarzen quadratischen Gemäldes – den Leitgedanken der Ausstellung bei Galerie Adler: Das komplexe Beziehungsgefüge zwischen künstlerischem Medium und den zahlreichen Aspekten des Farbspektrums.

Die beiden Gemälde versinnbildlichen die Grenzpunkte, aus denen sich alles andere entwickelt. Die perfekte und dadurch quasi neutrale Figur des Quadrats, einmal in reinem Weiß und einmal in lichtabsorbierendem Schwarz, fungiert als Hinweis auf die konzeptionelle Herangehensweise der Künstlergruppe, in diesem Fall die Rückbesinnung auf das Wesentliche:

Farbe und Form. Dass es sich hierbei um gemalte Bilder handelt, ist Teil des gleichen Gedankens, denn ARTISTS ANONYMOUS beginnen immer mit Malerei, der ursprünglichsten Form künstlerischen Ausdrucks.

Nun wird der Betrachter eingeladen, alles bisher Gesehene zu vergessen und sich auf eine Reise in unbekannte Wahrnehmungswelten zu begeben. Farbe ist nicht einfach Farbe – was ist denn überhaupt dort, wo sie nicht sichtbar ist? Kann man Farbe auch „installieren“ ? Welche Empfindungen werden heraufbeschworen, wenn nicht nur Motive, sondern auch Farben „spiegelverkehrt“ erscheinen?

ARTISTS ANONYMOUS kreieren Werke, die wie Fotonegative wirken, erschaffen großformatige Fotografien von Original-Malereien, lassen Bilder entstehen, die wie der Nachhall vergangener Bilder erscheinen, oder sie verarbeiten das Thema „Farblosigkeit“ als Installation.

Wäre das „Neue“ an ihrer Kunst einfach nur eine besonders provokante Bildsprache oder die Verwendung außergewöhnlicher Materialien, würde es uns nicht schwer fallen, dafür eine Kategorie zu finden und in oft geübter Weise zu reagieren – beispielsweise mit Gleichgültigkeit.

Den fremdartigen Reizen von Positiv-Negativ Bildern jedoch, bei denen nicht mehr klar ist, was Original und was Abbild ist, deren „umgekehrte“ Farbigkeit uns dazu bringt, unermüdlich einen Ursprungszustand definieren zu wollen, stehen wir unvorbereitet gegenüber.

Ähnlich entwaffnend wirkt die fast schmerzhafte Schönheit der Werke. Leuchtende Farben, harmonische Formen, und elegante Muster – alles perfekt und sehr geschmackvoll arrangiert, lenken den Fokus im ersten Moment auf den rein ästhetischen Aspekt der Werke.

Noch während des Betrachtens aber tritt ein Wandel ein und dem Schauenden eröffnen sich unvermittelt und dadurch mit umso größerer Wucht, die gesamte Komplexität des Produktionsprozesses und die teilweise radikalen Inhalte der Arbeiten.

„Es geht um die Kunst und nicht um den Künstler!“ (AA, 2010). Aus diesem Grund werden Artists Anonymous auch bei dieser Vernissage nicht anwesend sein.

Wer sich aber über ihre Kunst informieren möchte, braucht nicht auf ein seltenes Gespräch mit den Artists zu hoffen, sondern kann das zum Beispiel mit Hilfe des brandneuen, im Dumont Verlag erschienenen Katalogs tun:

Artists Anonymous, The Apocalyptic Warriors, Dumont Buchverlag, 2010, Etwa 256 Seiten mit ca. 148 farbigen Abbildungen, mit einem Gespräch der Künstler mit Eugen Blume, Direktor des Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin, Deutsch/Englisch, ISBN 978-3-8321-9222-

ADLER - FRANKFURT AM MAIN

Galerie Adler Frankfurt am Main
Hanauer Landstraße 134
60314 Frankfurt a. M., Germany
tel  +49-69-43053962
www.galerieadler.com

Alle Bilder © Galerie Adler Frankfurt

Mehr Bilder finden Sie auf unserer Bildergalerie Kunstwerke

Die Berliner Collagenkünstlerin Fehmi Baumbach wird als Tochter zweier unbeugsamer Existenzialisten 1971 in einer kleinen Stadt in der niedersächsischen Provinz geboren. 1992 bis 97 Studium der Freien Kunst an der HBK Braunschweig.

1996 Umzug nach Berlin. Dort erste Ausstellungen, die Gründung der Gruppe The Bewegungselite, die mit brachialen Mitteln leer stehende Gebäude besetzt um dort Ausstellungen und Partys zu organisieren. The Bewegungselite besetzt Häuser in Prag, Paris, Stuttgart und New York und feiert dadurch weltweite Erfolge.

2000 löst sich die Gruppe wegen übermäßiger Hohenflüge auf und Fehmi Baumbach gründet mit Jim Avignon die Kunstpartyreihe Friendly Capitalism Lounge. Zahlreiche Einzellausstellungen und Illustrationen für Tageszeitungen und Szeneheftchen folgen.

2000 tritt sie dem Popchor Berlin unter der Leitung von Almut Klotz (Lassie Singers, Flittchen Records, Klotz&Dabeler) bei und singt sich die Seele aus dem Leib.

2001 geht Baumbach in unregelmäßigen Abständen mit Jim Avignon und Almut Klotz auf Europatournee, stellt dort in kleinen Clubs aus und fungiert als DJane. Außerdem wird Baumbach vom Berliner Verbrecher Verlag gezwungen kleine Geschichten und Musikrezensionen für komische Bücher und Musikzeitschriften  zu schreiben ( Mittebuch, Welt und Wissen).

2005 Geburt ihrer Tochter Mascha und die Flucht in den Wald in dem sie 2006 ihren Jagdschein macht aber kein Tier erschießen kann.

Im März 2010 erschien Baumbachs erstes Bilderbuch my head is a bubble with interesting trouble beim Mainzer Ventil Verlag.

Cut, Copy, Paste, Schöne neue Welt. Geboren im größten Buchenwald Norddeutschlands, zerlegt Fehmi Baumbach Bilder und Wörter. Ausschnitte aus Zeichnungen, Lexika, Malereien und Fotografien folgen im Baumbachschen Kosmos einer Traumlogik. Oft stehen Figuren im Zentrum der Collagen die sich mit den Gedankengeographien ihrer selbst vernetzen.

Diese halten innere Monologe, stellen sich realitätsnahen Dialogen und schreien unwirsch auf. Die Kompositionen verströmen Klang: Denn Musik ist immer um die Künstlerin herum. So wirken die Zitate ihrer Figuren wie gute Songzeilen. Sie klingen catchy, und lassen sich doch in ihrer Bedeutung mehrfach greifen. Fehmi Baumbach lebt in Berlin.

(Christoph Braun)

ausstellungen

1998
april basicstyle, topstyle, authenticstyle (kollektiv) galerie c:4, berlin

mai playmöbelplan (1.mai malaktion mit p.grözinger) galerie radioberlin, berlin

juni wohnlandungen gärtnerstrasse, berlin

juli placeboplasm galerie berlintokyo, berlin

august wir stellen aus (kollektiv) gärtnerstrasse, berlin

oktober fluktur : one till two (mit p.grözinger) galerie fehler pan tappert, berlin

1999
januar qcm schnittpunkt, wiesbaden

märz wir stellen doch nochmal aus oder:
europa spielt new york in berlin (kollektiv) gärtnerstrasse, berlin

juli gilbert muttonberrys world of game (kollektiv) galerie c:4 c/o meinblau, berlin

september playart (kollektiv) haus schwarzenberg, berlin

september silver stories (kollektiv) galerie c:4 c/o meinblau, berlin

dezember the bewegungselite (kollektiv) haus des lehrers, berlin  

 
2000

januar zimmerlaunen galerie k, weiterstadt

februar the bewegungselite (kollektiv) haus schwarzenberg, berlin

märz die 18 bahnen of the bewegungselite (kollektiv) haus des lehrers, berlin

mai frank (kollektiv) dienstagsbar, berlin

juni - august junge künstler aus berlin (kollektiv) galerie wewerka, berlin

september - oktober moving up (kollektiv) haus schwarzenberg, berlin

september interieurs delicious artspace, berlin

dezember ohne titel galerie ezwei, berlin

 
2001
april the bewegungselite (kollektiv) kunstverein stuttgart 22, stuttgart

juni die kunst ranch (kollektiv) club n+k kampnagel, hamburg

juni drive in (kollektiv) ex-hauptbahnhofsrestaurant, wiesbaden

august friendly capitalism lounge nr 1 (mit Jim Avignon) roter salon, berlin

november mit avignon und klotz on tour: köln, würzburg, stuttgart  

2002
märz mit avignon und klotz on tour: wien, münchen, basel

april mumbo jumbo (kollektiv) galerie schoppenhauer, köln

mai friendly capitalism lounge nr 2 (mit jim avignon) roter salon, berlin

juni on tour mit avignon und nova huta dresden, göttingen

juni pop up (mit jim avignon) waschhaus, potsdam

oktober friendly capitalism lounge nr 3 (mit jim avignon) roter salon, berlin

oktober berlin versus lucklum wegwarte, lucklum

dezember junge kunst in berlin (kollektiv) galerie wewerka, berlin

dezember kollektiv arts factory, paris  

 
2003
februar friendly capitalism lounge nr 4 (mit jim avignon) roter salon, berlin

mai wort halten (kollektiv) galerie forum, usingen

mai friendly capitalism lounge nr 5 (mit jim avignon) werk 9, berlin

mai - august my home is my castle (mit jim avignon) artmuseum jyväskylä, finnland

juli - september projekt : nichtraucherbar (kollektiv) bewohnte kunst installation, darmstadt

august friendly capitalism lounge (mit jim avignon) maria am ufer, berlin

november - dezember 9 extra (kollektiv) nassauischer kunstverein, wiesbaden

dezember friendly capitalism lounge (kollektiv) haus schwarzenberg, berlin  

2004
januar interieurs ausstellungsraum neu, hamburg

april - mai when nothing goes wrong i go wrong (mit jim avignon) galerie tristesse, berlin

mai interieur galerie loyal, kassel

juli - august ein und ausrichtungen feinkunst krüger, hamburg

august flamingo galerie schnittpunkt, wiesbaden

september tag des offenen denkmals (kollektiv) schmuckatelier kreis, lucklum

september - oktober kunst ist, wenn man trotzdem lacht (kollektiv) gotischer kasten, eggenfelden-gern

november - januar strips & characters (kollektiv) kunstverein / wolfsburg

dezember friendly capitalism lounge 9 (kollektiv) galerie neurotitan / haus schwarzenberg, berlin

 
2005
märz graphic beats (kollektiv) galerie tristesse, berlin

babypause.

dezember jahresgaben kunstverein, wolfsburg

dezember friendly capitalism lounge vol. 10 (kollektiv) haus schwarzenberg, berlin

dezember – januar 2006 edition 01 (kollektiv) projektraum neuenhausen, berlin 

2006

september eröffnung der galerie ehrich baumbach, braunschweig

dezember scheiß wetter, babylon / raum 4 / kioski, fürth 

2007

mai pop up seemannsglück, leipzig

juli litfaßsäulenhappening, insideout ev / plakart+aktion, braunschweig

august groupshow (kollektiv) galerie tristesse, berlin

oktober offene atelierräume, kulturring c, mit nicola gräfe, fürth

november berlin vision (kollektiv), goetheinstitut, zappeion, athen

november today you can realized your good ideas, mit mäkkelas trash lounge, noch besser leben, leipzig

dezember, anti capitalism lounge (kollektiv), kunsthalle, lüneburg

2008

mai whatever gets you through the night (kollektiv) galerie tristesse, berlin

august das beste aus der mitte, haus Babylon, fürth

september erhaben/kompliziert, PAL, köln

november friendly capitalism lounge vol. 12 (kollektiv),haus schwarzenberg, berlin 

2009

Mai kunstauktion zugunsten der asse2 initiative, maifest, evessen

Mai multifunktionale (kollektiv) PAL, köln

August kultifest, badstrasse, fürth

August auf rockos tapete, salon des pudel, hamburg

Oktober enorm entfernt, westgermany, berlin

November friendly capitalism lounge vol. 13, heliumcowboy, hamburg

November passiert unvorhergesehenes, galerie stein/lehmann, hachum 

2010

März spring explosion (kollektiv), galerie kielkind, kiel

März eröffnung der galerie neongolden, wiesbaden

April buchreleaseausstellung, kim, berlin

Die großen philosophischen Fragen seien eigentlich banal, so Gögel, da sie sich jeder stelle. Sicher ist zumindest, dass sie deshalb „groß“ sind, weil sie sich jeder stellt. In den Werken des in Leipzig lebenden Künstlers sind sie jedenfalls sehr präsent:

Leben und Tod, Werden und Vergehen sowie alle menschlichen Ängste, Bedürfnisse und Zustände, die sich darauf beziehen, werden teilweise drastisch, dabei aber keineswegs moralisch wertend dargestellt.

Der Künstler, der auch zeichnet, tätowiert und bildhauerisch tätig ist, erschafft in erster Linie Formen. Diese verändert er durch Ausprobieren und im Schaffensprozess, der für ihn selbst eine Art Material darstellt, so lange, bis er einer bestimmten Atmosphäre oder einer Stimmung eine bildliche Entsprechung verliehen hat. Das Besondere an Gögels Werken ist, dass die Themen von den meisten Betrachtern intuitiv erkannt werden, wenngleich sie diese kaum je hätten beschreiben können.

Die Kombination von Wort und Bild – Gögel verleiht seinen Werken kurze aussagekräftige Titel – erklärt und deutet das Dargestellte. Der dabei oftmals durchscheinende feine, spöttische Humor, kann als unaufdringlicher Hinweis darauf gelesen werden, die eigenen Unzulänglichkeiten zwar wahr- aber nicht allzu ernst zu nehmen.

Dass Gögel nichts von umständlichem „Geschwurbel“ hält, erkennt man sowohl an seiner eingangs erwähnten Bemerkung über die „großen philosophischen Fragen,“ als auch an der Art, wie er seine Themen zur Darstellung bringt.

In gleicher Weise, wie man komplexe Satzstrukturen um universelle Gewissheiten legen und ihnen damit eine gravitätische Schwere verleihen kann, ist es möglich, solche Grundwahrheiten mit bildnerischen Mitteln pathetisch zu überhöhen. Das gewählte Thema wird dazu mit großer Geste und vor allem ohne jede Ironie umgesetzt. Nicht so bei Gögel.

Zwar wirken der enorme Formenreichtum und die düster leuchtenden Farben mancher seiner Werke durchaus opulent. Aber bei genauerem Hinsehen erkennt man, dass die Darstellungen äußerst prägnante Metaphern für bestimmte Empfindungen oder kommunikative Schwingungen sind, die sehr konkrete Assoziationen in der Gefühlswelt des jeweiligen Betrachters hervorrufen können.

Ein Eindruck ähnlich dem, kurz nach dem Erwachen, wenn das Grundgefühl des Traumes noch klar in Erinnerung, die „Geschichte“ jedoch schon verblasst ist.

Das macht Sebastian Gögels Arbeiten ebenso eindringlich wie verwirrend: Urängste, Triebe, Neigungen, die wir normalerweise nicht ausleben, nehmen in seinen Bildern Gestalt an und zwar für jeden von uns auf eine ganz und gar persönliche Art und Weise. Denn jeder Betrachter hat seine eigenen Erfahrungen und Konflikte, deren Widerschein er in den Werken erkennen kann.

Vernissage am Freitag, 7. Mai 2010, 19 Uhr
8. Mai – 26. Juni 2010

Galerie Adler Frankfurt - New York
Hanauer Landstraße 134, 60314 Frankfurt, Germany, +49 (0)69-43053962

Alle Bilder © Sebastian Gögel

Infos zu Sebastian Gögel auf www.galerieadler.com

Die Begegnungen mit der westlichen Kultur, die Iva Vacheva in der multikulturellen Metropole Berlin kennen zu lernen begann, haben einen bleibenden Eindruck auf die junge Künstlerin hinterlassen. Diese Einflüsse auf ihr Leben werden in ihren Arbeiten besonders sichtbar.

In ihnen steckt eine Menge von ihren persönlichen Lebenserfahrungen, denen sie überwiegend phantastische, mythische, ja märchenhafte Züge verleiht. Ihre Bilder erzählen viele kleine Geschichten, in denen Realität und Fantasie, Lebenslust und Traurigkeit, erotische Anziehung und körperlicher Ekel, Neugier und Überdruss stets in einander überfließen.

Oft steht ein eben gerade gehörter Witz oder eine halb vergessene Erinnerung, sogar ein Traum am Ursprung der einen oder anderen Arbeit. Furchtlos und herausfordernd präsentiert sie ihre oft scheinbar düsteren Visionen, die jedoch immer locker und äußerst humorvoll wirken.

Ihr angeborener Sinn für Humor hilft der Künstlerin gleichzeitig mehrere Seiten eines Phänomens zu betrachten und wiederzugeben. Auf diese Weise bleibt sie in ihren Arbeiten stets objektiv und sich selbst treu. Vielseitig bleibt die Künstlerin auch in ihrer virtuosen Technik: Malerei und Zeichnung existieren bei ihr im engsten Zusammenhang, gehen ineinander über.

Dieses Zusammenspiel der Techniken samt der narrativen Note sorgt unter anderem dafür, dass die Arbeiten, trotz ihrer stark expressiven, ja momentanen Wirkung, uns zum genaueren Betrachten und so zum Ergründen vieler kleiner überall versteckter Details verleiten. Diese fügen wir dann zu unseren eigenen Märchen zusammen.

Unübersehbar in den Werken Iva Vachevas ist die Thematisierung von Exzess und Rausch. „Verdoppeln“ steht hier für exponentiale Steigerung und Maßlosigkeit. Deutliche Bezüge zum Barock wie Gold als Farbe und Perücken bekräftigen die hysterisch-euphorischen Gestalten, die einen Triumph der Materialität zu feiern scheinen.

Spätestens der Hintergrund dieser Figuren führt deren Zustand jedoch ad absurdum, nämlich in den Untergang der materiellen Merkmale ihrer Gier. Iva Vacheva (*1981 in Plovdiv, Bulgarien) zog 2004 von Sofia nach Berlin, um ihre künstlerische Ausbildung an der Universität der Künste in der Meisterklasse von Robert Lucander erfolgreich zu beenden.

Abbildung: Iva Vacheva: Auf Freunschaft 150x170cm acrylic on canvas 2009.

Die Künstlerin wird von der Janinebeangallery www.janinebeangallery.com Berlin präsentiert:

Kontakt:

janinebeangallery
Torstrasse 154
10115 Berlin

Tel.: 030 417 671 68.
 
M. Bergemann: matthias.bergemann@remove-this.janinebeangallery.com

Nikita Schmitz begreift Systeme und Programmatiken der heutigen Welt als statische rationale und empirische Prozesse.

Auch wenn sich die Geschichtsbücher aufgrund neuer Entdeckungen theoretisch alle vier Jahre einer Kompletterneuerung unterwerfen müssten, bleibt der Wunsch nach einer historischen Festlegung bestehen.

Nikita Schmitz thematisiert die Unbegreiflichkeit

Nikita Schmitz` Malerei sucht die Befreiung von eben diesen gesetzten Grenzen von wahr und falsch, möglich und unmöglich und fragt nach dem Geschehen hinter, vor und über logischen Denkweisen. Das Unbekannte, das die Angst als treuen Begleiter an der Hand hält, ist Inspiration und Motiv zugleich.

Neben einer abstrakten Formensprache sind gegenständliche Bezüge das Mittel, um an einen kollektiven Erinnerungsschatz anzuknüpfen und eröffnen dadurch emotionale Dimensionen.

Die Unbegreiflichkeit von Innen und Außen bleibt das thematische Zentrum der Malerei von Nikita Schmitz, die der menschlichen Furcht vor Neuem eine fremde und magische Schönheit verleiht.

Mit den Bildern, Fotografien, Videos und Performances von Baccara Smart tauchen wir ein in eine seltsame Welt aus Masken, Kleidern, Geheimnissen, Magie, Kunststücken, Transformationen, Gesten, mimischen Ausdrucksformen, Pathos, Lachen und Weinen.

Es sind teils zeichnerisch und malerisch gestaltete Bildwelten mit überzeichnenden, comicartig gesteigerten und collagierten Kompositionen, teils tänzerisch oder schauspielerisch umschriebene Handlungsformen, die uns eine private Sicht auf die Welt des Zirkus, der trainierten Verwandlungen, des Hintergründigen, der zweiten Realität des Seins offenbaren.

Tiere oder tierartige Mischwesen, Menschen in Verkleidungen oder zu Monstern transformiert entstehen aus Farbe und Computergrafik, abstrakte Formen umschreiben malerische Paraphrasen bekannter künstlerischer Positionen, Erinnerungsbilder aus der Welt der Manege und der wunderkammerartigen Attraktionen werden mit Traumbildern zu stark kolorierten und zeichnerisch ausdrucksstarken Ikonen der Zirkuswelt geformt.

Relikte der Scheinwelt und der überzeichneten Spassindustrie begegnen uns mit der Macht der malerischen Metaphorik.

Baccara Smart nutzt in ihrer Malerei die schöpferische Kraft des kollektiven Gedächtnisses, um uns in vielschichtig- kombinatorischen Collagen mit den Urängsten, Urwünschen und Freuden des menschlichen Daseins zu konfrontieren. Wir fühlen die Nähe zu den Werken von Frank Stella, Sigmar Polke oder Martin Kippenberger.

In ihren Fotografien lenkt sie den Blick auf das Wesentliche der nach der Wirklichkeit gespielten Situationen und verwandelt die Szene in eine spielerisch theatralische inszenatorische Momentaufnahme.

In ihren Videos tanzt sie auf den Spuren von Pipilotti Rist träumend durch die lachend-traurige Welt ihrer Familiengeschichte und des Zirkuslebens um ihren Vater, nicht ohne dem Ganzen eine dekadent traurige, sehr private Note zu geben.

Reminiszensen an Videokünstler wie Bill Viola oder Douglas Gordon lassen sich ebenso spüren, wie der Wunsch nach einer Verdichtung von Aussagen aus den komplexen Informationswelten der Medien des Plakates, der Zeitung, des Films und des Fernsehens.

Baccara Smart ist eine reflektierende Träumerin im Dialog zwischen den Welten der privaten Biographie und des kollektiven Gedächtnisses.  

Bild: Baccara Smart, The Merry-Go-Round, 2009
Öl auf Leinwand / Oil on canvas, 182,88 x 152,4 cm / 6 x 5 ft, © Baccara Smart

Bei Die Halsbandaffaire erzählen Schmuckstücke Geschichten. Wer Schmuck nicht nur gerne trägt, sondern auf der Suche nach außergewöhnlichen Unikaten ist, der findet in der Franz-Joseph-Straße 44 sein Traumaccessoire.

Schmuckexpertin Christiane Scharrer-Sieb achtet bei der Auswahl ihrer Schmuckstücke auf deren Persönlichkeit, Geschichte und Ästhetik. Prunkstück in Ihrer Halsbandaffaire ist derzeit das Vintage-Schmuckset Sputnik, das der berühmte Juwelier Hans Stern 1950-60 aus Anlass des ersten Satelliten in der Erdumlaufbahn kreierte. Ein außergewöhnliches Stück Goldschmiedekunst, das Geschichte schrieb. Und bis heute nichts an seiner Strahlkraft verloren hat.

Sputnik als Inspiration

Halbkugeln in funkelndem Gold, besetzt mit farbenprächtigen Edelsteinen. Das Design des außergewöhnlichen Schmucksets – bestehend aus Ring, Anhänger und Ohrclipsen –  erinnert an Sputnik, den ersten sowjetischen Satellit im All.

Er erreichte 1957 – also vor 60 Jahren – die Erdumlaufbahn und brachte damit auf einen Schlag die geltenden Weltansichten ins Wanken. Sputnik wird zum Symbol der Entgrenzung und beflügelt die Faszination der Menschen für den technischen Fortschritt. Sputnik wird zur Ikone eines neuen Zeitalters, dessen Ästhetik auch viele Künstler und Designer in ihren Werken aufgreifen.

Hans Stern – Ausnahmejuwelier

Darunter auch der berühmte brasilianische Juwelier Hans Stern. Er gehört zu den faszinierendsten Schmuckdesignern des letzten Jahrhunderts. Geboren 1922 im Ruhrgebiet flieht Stern Ende der 30er Jahre vor den Nazis zu seinem Onkel nach Rio. Hier gründet er, der sich zunächst auf den Edelsteinhandel spezialisiert hatte, 1945 sein Unternehmen H.Stern und kreiert fortan seine charakteristischen Schmuckstücke. Sie sind eine Hommage an die vielfarbigen Edelsteine Brasiliens.

Mit innovativen Marketingkonzepten und Kooperationen mit Celebrities führt er die Marke zu weltweitem Erfolg. Nicht nur das Design und der Verkauf der Schmuckstücke obliegt dem Unternehmen, H.Stern übernimmt den kompletten Wertschöpfungsprozess, von den eigenen Minen bis hin zu den mehr als 160 Verkaufsstellen weltweit.

Hommage an die schöne Frau

Hans Sterns Schmuckstücke sind ein Fest der Farben. Seine Vorliebe für bunte Edelsteine sind Ausdruck des gemmologischen Reichtums seiner Wahlheimat Brasilien und des Lebensgefühls seiner Zeit. Sein Schmuck soll Spaß machen. Es sind Pretiosen für die moderne Frau, hochwertig, modern und erschwinglich; ebenso tagsüber wie auch abends tragbar. Ein innovatives Konzept, das H.Stern in den 60ern zum drittgrößten Schmuckunternehmen der Welt werden lässt.

Vintage Schmuckset

Hans Sterns Fokus, die Leidenschaft für Farb-Edelsteine zeigt sich in kaum einem Entwurf so deutlich wie in seiner Sputnik Serie. Auf goldenen Halbkugeln sitzen in hohen Zargenfassungen Aquamarine, Amethyste, Citrine, Granate sowie rosa und grüne Turmaline. Jedes Objekt der Sputnik Serie hat sein ganz individuelles Erscheinungsbild, das je nach Anordnung und Kombination der verwendeten Edelsteine variiert.

Mit seinem markanten Design traf Hans Stern genau den Zeitgeist der 50er/60-er Jahre des letzte Jahrhunderts. Sputnik umschreibt nicht nur ein neues Zeitalter und eine richtungsweisende Ästhetik, seine Wortbedeutung im Russischen steht auch für Begleiter oder Weggefährte. Einen schöneren und passenderen Name kann man für ein solch hochkarätiges Schmuck-Ensemble kaum finden, das bis heute nichts an seiner Modernität und Strahlkraft verloren hat.

Sputnik Vintage Schmuckset, Hans Stern um 1950-60, 3.500,00 €

bestehend aus Ring, Anhänger und Ohrclipsen

Gelbgold 750 / 18 Kt. Edelsteine von zusammen ca. 13,8 Carat.

Die Halsbandaffaire, Christiane Scharrer-Sieb

Franz-Joseph-Straße 44

80801 München

www.halsbandaffaire.de